Dos enfoques principales para evaluar la adecuación. Comprobación de la adecuación del modelo de regresión. Etapas de la construcción de un modelo matemático.

Muchos adultos de hoy en día, para horror de sus padres, soñaban en su infancia con ser actores o actrices. Más tarde, después de graduarse de universidades "normales" y conseguir un trabajo "normal", algunos de ellos llegaron a la conclusión de que tal vez habían cedido en vano a la persuasión de mamá y papá.

Hay muchas razones para volver a estudiar actuación. Pero hoy hablaremos no sólo o no tanto de la autoexpresión creativa, sino más bien de aplicación práctica habilidades de actuación. Entonces, ¿por qué una persona normal con un buen salario y un horario de trabajo estricto necesita cursos de actuación?

1. En primer lugar, la habilidad para hablar en público es esencial en la mayoría de las profesiones, a menos, por supuesto, que haya elegido como ocupación pintar jarras o tallar madera. ¡Aunque aquí también pueden resultar útiles!

2. En segundo lugar, simplemente te encanta el teatro y quieres desarrollar tu talento como actor.

3. En tercer lugar, paradójicamente, buen curso actuar puede presentarte mejor a ti mismo y reemplazar la terapia, las constelaciones y otros exámenes de conciencia.

4. Actuar tiene que ver en gran medida con el cuerpo. Y aprender a sentir tu cuerpo y dominarlo en un nivel cualitativamente diferente. tarea importante independientemente de su tipo de actividad.

5. Finalmente, hoy en día, en el mundo de Instagram y YouTube, en muchas industrias simplemente no hay nada que hacer sin practicar discursos y presentaciones en video.

Cualesquiera que sean tus motivos, ahora es el momento de empezar a elegir cursos de actuación: como parte de la admisión de otoño, muchos estudios ofrecen clases de prueba gratuitas.

Recuerda solo una cosa: hoy es poco probable que puedas hacer buena carrera en los negocios o tener éxito en una profesión pública si tu voz tiembla y tu cuerpo se paraliza de miedo a la hora de hablar frente a un grupo de desconocidos.

1. Cómo aprender a hablar frente a una audiencia

Consideremos lo más caso general, cuando se necesitan habilidades de actuación para dominar el habla, el cuerpo y... la atención de los demás. Por ejemplo, al hablar en público. Intente tomar cursos de actuación y oratoria escénica en Smile:) ¡Teatro! Pruébalo, porque en octubre tienes oportunidad única Asiste a clases de prueba con diferentes profesores de forma gratuita. Todos los programas se llevan a cabo. bajo la dirección de actores profesionales con experiencia docente, pero quizás algunos te gusten más, otros menos. Habiendo elegido un profesor de tu agrado y un horario adecuado, realizarás el primer curso básico. Después de tres meses de formación, comprenderá fácilmente sus problemas de comunicación y se sentirá mucho más seguro en público. Si te cautiva la comunicación con actores profesionales y tus compañeros de grupo, entonces puedes continuar tus estudios pasando a grupos del siguiente nivel, donde resuelven problemas más complejos, representan pasajes dramáticos individuales e incluso actuaciones completas.

2. Cómo despertar tu talento actoral

¿Sientes que el deseo de ser actor desde pequeño nunca se ha desvanecido? Luego intente ponerse en contacto con el Estudio de Teatro del "Teatro ALIVE" de Moscú, donde realizan lecciones abiertas y comienza el reclutamiento del grupo. Aquí también se enseñan habilidades de actuación: habla y movimiento escénico, voz y baile. Las clases se llevan a cabo directamente en el escenario del teatro, lo que se puede considerar una ventaja adicional. Ya durante cursos basicos los oyentes pueden ver los ensayos de actores profesionales y un estudio de teatro amateur. Los estrenos de reportajes del estudio incluso están incluidos en el repertorio del escenario principal, y entonces no sólo los profesores, sino también los espectadores podrán apreciar el trabajo de los actores aficionados.

Los estudiantes de secundaria y adultos recibirán ayuda aquí. prepararse para la admisión a universidades de teatro, y para que los estudiantes de universidades creativas o los aspirantes a actores dominen las habilidades que les faltan para trabajar. Si, estos dias genero popular se ha convertido en un musical que requiere artistas que sepan cantar y bailar igualmente bien. Y muchos actores con formación académica carecen, por ejemplo, de la capacidad de bailar step y riverdance. Aquí te ayudaremos a solucionar este problema. Las clases de step dance son impartidas por una estudiante diplomada. competencia internacional En el baile paso a paso, el director artístico del "Teatro ALIVE" Maxim Razuvaev, y cuenta con la ayuda de actores de teatro que actúan en musicales populares de Moscú. Las clases se basan en métodos eficaces de formación estadounidenses para actores de espectáculos de Broadway. Quienes hayan completado su formación en el estudio podrán competir con confianza en audiciones para teatros musicales y compañías musicales.

3. Cómo aprender a no temblar delante de la cámara

¿Eres tímido frente a la cámara? ¿Está perdido incluso cuando necesita hacer una presentación en video, realizar un seminario web o una clase magistral? ¿No se siente seguro cuando, debido a sus deberes profesionales, no solo tiene que hablar en público, sino también hacerlo frente a una cámara? Por ejemplo, a menudo se invita a profesionales experimentados y expertos en su campo. aparecer en television o dialogar con periodistas de televisión y opositores frente a la cámara. Entonces deberías inscribirte en cursos de actuación en la Escuela de Cine Alexander Mitta. ¡Aquí saben qué es el miedo a una cámara de cine y cómo afrontarlo! Por cierto, aquí suelen venir graduados de escuelas de teatro y actores experimentados; trabajar ante la cámara requiere habilidades especiales. Durante dos meses de formación intensiva en la Escuela de Cine, reconocidas autoridades del mundo del cine enseñarán a trabajar delante de la cámara: Nikolai Lebedev, Dmitry Astrakhan, Alexander Kuznetsov, Dmitry Korobkin, Alexander Nosovsky.

4. ¿Cómo despertar tu yo interior?

Sucede que al estudiar algo - lengua extranjera, oratoria o movimiento escénico: comienzas a “deslizarte”. Como regla general, esto se debe al hecho de que no pudo conectar sus emociones con los conocimientos y habilidades adquiridos. Puedes hacer esto usando Dzyubinga. La formación de este autor anima en primer lugar. conexión con el cuerpo y control sobre las emociones– un elemento importante de la profesión de actor en general y de la formación actoral en particular. Lleva el nombre en honor al autor y entrenador permanente. Alexandra Dziuba, uno de los actores principales del teatro Roman Viktyuk y fundador de la escuela. En el corazón de sus cursos está la pasión, elevada al nivel de la creatividad. Aquí no hay prohibiciones ni fronteras, las leyes están sujetas a los deseos, y cualquier ejercicio, el más extraño o el más difícil, se convierte en un recurso inagotable de inspiración. Y no importa si eres actor, psicólogo o abogado: Dzubing te da las llaves de tu propio cuerpo, de la interacción con el espacio y las emociones (propias y ajenas), convirtiéndose en una llave maestra universal que abre todas las puertas a la superación personal.

¡Elige cursos que se adapten a tus gustos y disfruta cada día de formación! Después de todo, como dijo Siddhartha Gautama Buddha, “incluso una persona inteligente se volverá estúpida si no se mejora a sí misma”.

"Fundamentos de la actuación"

Introducción

Sistema K.S. Stanislavsky como base para la formación de un actor y director.

El trabajo de un actor en un papel.

El trabajo del director en la obra.

Ética del teatro

Conclusión

Lista de fuentes utilizadas

Introducción

Para que los aspirantes a actores y directores conozcan los conceptos básicos del arte escénico, deben estudiar el sistema de Konstantin Stanislavsky. Está diseñado como guia practica, que resuelve el problema del dominio consciente de los procesos creativos subconscientes y explora la forma de transformar a un actor en una imagen. Los muchos años de trabajo de Stanislavsky como actor y director lo impulsaron a escribir el libro "Mi vida en el arte". También escribió el libro "El trabajo de un actor sobre sí mismo" y tenía la intención de publicar los libros "El trabajo de un actor sobre un papel" y "El trabajo de un director sobre una obra de teatro", pero no tuvo tiempo, pero podemos estudiarlos. temas de los bocetos publicados en las obras completas.

Su sistema se basa en los principios y métodos de actuación veraz. En sus libros, se basa en aquellos hechos que ayudan a revelar el tema creativo principal y realizarlo. Su obra se enriquece con ideas y claridad de expresión artística.

Stanislavsky es estricto en todo lo relacionado con el teatro. Es extremadamente autocrítico e incorruptible. Cada error es una lección y cada victoria es un paso hacia la mejora.

También entre los archivos de Stanislavsky se pueden encontrar obras sobre ética teatral. Le dio gran importancia al carácter moral del actor. Pero incluso en “Mi vida en el arte” prestó mucha atención a las cuestiones éticas.

Bajo una influencia fuerte e irresistible ideas creativas Stanislavsky desarrolla el arte teatral moderno.

Sistema K.S. Stanislavsky como base para la formación de un actor y director.

El sistema de Stanislavsky es la base profesional de las artes escénicas. Surgió como una generalización de la experiencia creativa y pedagógica de Stanislavsky, sus predecesores y contemporáneos teatrales. Los descubrimientos de Stanislavsky, que descubrió las leyes más importantes de la actuación, arraigadas en la propia naturaleza humana, revolucionaron el arte del teatro y la pedagogía teatral. Principio fundamental Los sistemas de Stanislavsky son la verdad de la vida. Un profesor de escuela de teatro necesita aprender a distinguir la verdad escénica de la mentira; para ello hay que comparar la realización de cualquier tarea creativa con la verdad de la vida misma. Este es el camino hacia la verdadera teatralidad en vivo.

Para evitar que todo lo relacionado con la vida sea arrastrado al escenario, es necesaria la selección. La selección se ve facilitada por el segundo principio de Stanislavsky: la supertarea. Esta no es la idea en sí, para eso se implementa esta idea. Éstas son las aspiraciones del autor de participar con su creatividad en la lucha por algo nuevo. La doctrina de la supertarea no es sólo una exigencia del actor de la creatividad ideológica, sino también una exigencia de su actividad ideológica. Teniendo presente el objetivo final, el artista no se equivoca ni en la selección del material ni en la elección. técnicas y medios de expresión.

El tercer principio del sistema de Stanislavsky es el principio que afirma la acción como agente causante de las experiencias escénicas y material principal del arte de actuar. Este principio importante la parte práctica del sistema: el método de trabajo en el rol. Todas las instrucciones metodológicas y tecnológicas de Stanislavsky tienen como objetivo despertar la naturaleza humana natural del actor para la creatividad orgánica de acuerdo con la supertarea. En el trabajo de un actor no debe haber nada artificial ni mecánico; todo en él debe obedecer a la exigencia de organicidad: este es el cuarto principio de Stanislavsky.

La etapa final proceso creativo En el arte de actuar, desde el punto de vista de Stanislavsky, es la creación de una imagen escénica a través de la transformación creativa orgánica del actor en la imagen. El principio de la reencarnación es el principio decisivo del sistema. Pero el arte de un actor es secundario, interpretativo. El actor en su trabajo se basa en otro arte: el arte del dramaturgo. Pero en la obra del dramaturgo las imágenes ya están dadas, aunque sea en forma literaria. Incluso si un actor vestido y maquillado apropiadamente interpreta correctamente su papel, una cierta imagen artística todavía aparece en la mente del espectador. El creador de tal imagen no es el actor; su creador fue y sigue siendo el dramaturgo. Sin embargo, el espectador no ve al dramaturgo, sino al actor en el escenario y recibe una impresión de su interpretación. Si un actor atrae al público no con su imagen, sino con su encanto o apariencia personal, esto es un arte falso. Stanislavsky estaba en contra del narcisismo y la exhibición personal. Un actor no debe amarse a sí mismo en la imagen, enseñaba Stanislavsky, sino a la imagen en sí mismo.

Stanislavsky concedió gran importancia al carácter externo y al arte de transformar al actor. El principio de transformación incluye una serie de técnicas de creatividad escénica. El actor se sitúa en las circunstancias propuestas y trabaja el papel desde sí mismo. Ser diferente sin dejar de ser uno mismo es la fórmula de la enseñanza de Stanislavsky. No puedes perderte ni un minuto en el escenario y alejarte imagen creada de su propia naturaleza orgánica, pues el material para crear la imagen es precisamente la personalidad humana viva del propio actor. Stanislavsky insiste en que el actor, en el proceso de trabajar en el papel, acumulando cualidades internas y externas de la imagen, volviéndose gradualmente diferente y transformándose completamente en la imagen, se controla constantemente a sí mismo: sigue siendo él mismo o no. A partir de sus acciones, sentimientos, pensamientos, de su cuerpo y de su voz, el actor debe crear la imagen que se le ha dado, "salir de sí mismo": este es el verdadero significado de la fórmula de Stanislavsky.

El trabajo de un actor en un papel.

El trabajo de un rol consta de cuatro grandes períodos: cognición, experiencia, encarnación e influencia. La cognición es un período preparatorio. Comienza con el primer conocimiento del rol. Saber es sentir. Sin embargo, las primeras impresiones también pueden ser erróneas. Las opiniones incorrectas y erróneas interfieren trabajo adicional actor. Por lo tanto, se debe prestar atención atención especial la primera lectura de la obra y al mismo tiempo estar en buen estado de ánimo y no escuchar las opiniones de los demás hasta que la tuya sea más fuerte.

El segundo momento del gran período preparatorio del conocimiento es el proceso de análisis. Esta es una continuación del conocimiento del rol. Esto es el conocimiento del todo a través de su estudio. partes individuales. El resultado del análisis artístico es la sensación. En el arte es el sentimiento el que crea, no la mente; el sentimiento juega el papel principal y la iniciativa. El análisis artístico es, ante todo, un análisis del sentimiento, producido por el sentimiento mismo.

Los objetivos creativos del análisis cognitivo son:

1) en el estudio de la obra;

2) en la búsqueda de material espiritual y de otro tipo para la creatividad contenido en la obra y el papel en sí;

3) en la búsqueda del mismo material en el propio artista (autoanálisis);

4) en preparar el terreno en su alma para el surgimiento de un sentimiento creativo, tanto consciente como inconsciente;

5) en la búsqueda de estímulos creativos que den destellos de pasión creativa y reaviven aquellas partes de la obra que no cobraron vida durante su primera lectura.

Los medios del análisis cognitivo son el deleite y la pasión. Comprenden supraconscientemente lo que es inaccesible a la vista, el oído, la conciencia y la más refinada comprensión del arte. Este los mejores medios búsqueda de estímulos creativos dentro de uno mismo.

El proceso de análisis cognitivo se basa en la presentación de la presencia de hechos, su secuencia y conexión. Todos los hechos representan la apariencia de la obra.

El tercer punto es el proceso de creación y reactivación de circunstancias externas. La animación se logra a través de la imaginación artística. El artista imagina una casa, el interior de una obra de teatro o de esa época, personas y, por así decirlo, observa, toma parte pasiva.

El cuarto punto es el proceso de creación y revitalización de las circunstancias internas. Se logra con la participación activa del sentimiento creativo. Ahora el artista conoce el papel con sus propias sensaciones, con sentimiento genuino. En la jerga actoral, este proceso se llama “yo soy”, es decir, el artista comienza a “ser”, “existir” en la vida de la obra.

Si un artista tiene un sentido de bienestar técnicamente creativo, un estado de ser de "yo soy", un sentido de un objeto imaginario, comunicación y la capacidad de actuar auténticamente cuando lo encuentra, puede crear y animar las circunstancias externas e internas. de la vida del espíritu humano.

El período de cognición termina con la llamada repetición: una evaluación de los hechos y acontecimientos de la obra. Aquí el actor sólo debe tocar la obra misma, sus verdaderos hechos. Evaluar los hechos es que aclara las circunstancias de la vida interior de la obra, ayuda a encontrar su significado, esencia espiritual y el grado de su significado. Evaluar los hechos significa desentrañar el secreto de la vida espiritual personal del retratado, oculto. bajo los hechos y el texto de la obra. El problema es que si un artista subestima o sobreestima los hechos, violará la fe en su autenticidad.

El segundo período creativo, el período de la experiencia, es un período creativo. Este es el período principal, principal, de la creatividad. El proceso creativo de experimentar es orgánico, basado en las leyes de la naturaleza física y espiritual del hombre, en los sentimientos y la belleza genuinos. La acción escénica es un movimiento del alma al cuerpo, de lo interno a lo externo, de la experiencia a la encarnación; este es el deseo de una supertarea en la línea de acción de principio a fin. La acción externa en el escenario no es espiritual, no está justificada, no es causada por una acción interna, sólo es entretenida para los ojos y el oído, pero no penetra el alma, no tiene significado para la vida del espíritu humano. Sólo la creatividad basada en la acción interna es escénica.

Los medios para estimular la pasión creativa son una tarea creativa. Ella es el motor de la creatividad, ya que es el señuelo de los sentimientos del artista. Tales tareas aparecen conscientemente, es decir, son indicadas por nuestra mente, o nacen inconscientemente, por sí mismas, intuitivamente, emocionalmente, es decir, son impulsadas por el sentimiento vivo y la voluntad creativa del artista. Las tareas creadas de forma intuitiva e inconsciente son posteriormente evaluadas y registradas por la conciencia. Además de las tareas conscientes e inconscientes, existen tareas mecánicas y motoras. Después de todo, con el tiempo y las frecuentes repeticiones, todo el proceso se asimila con tanta firmeza que se convierte en un hábito mecánico inconsciente. Estos hábitos motores físicos y mentales nos parecen simples y naturales, realizándose por sí solos.

Conceptos básicos de actuación

Desafortunadamente, en la mayoría de los casos, para el espectador que observa al actor, su trabajo siempre parece simple, y el hecho de que detrás de él hay un trabajo duro y minucioso es una mentira especialmente inventada diseñada para justificar los altos honorarios de actores famosos y bien pagados. . Y solo unos pocos entienden que cada actor tiene sus propios secretos de actuación que lo llevaron al Olimpo.

Aquí hay sólo 5 secretos de la actuación:

1. Un buen actor es un actor diferente

Cuando vemos a un actor real, nos volvemos como su “víctima”. Aquí y ahora él es capaz de hacernos llorar o hacernos sonreír. Puede hacernos creer en un milagro, empatizar, odiar, llorar, esperar su próxima aparición en el escenario o en la pantalla. Se puede decir con seguridad que el espectador queda cautivado por la versatilidad de su actor favorito, su capacidad para sumergirse profundamente en el papel, darle vida a su personaje y hacer que el espectador olvide la realidad que lo rodea.

Estos componentes son parte de los secretos de la actuación. Además, desarrollar la voz, aprender a hablar en voz alta y durante mucho tiempo no es tan fácil. Esto requiere formación regular y lecciones de profesores de actuación profesionales e incluso lecciones de canto. Incluso gritar en el escenario debe hacerse de acuerdo con sus propias reglas, para no romper su voz. Varios ejercicios también son útiles para establecer y desarrollar una respiración adecuada.

3. Capacidad de improvisación e imaginación desarrollada.

Te ayudan a salir de cualquier situación con gran éxito. En el escenario puede pasar cualquier cosa: se te escapa una frase de la cabeza, se te caen los pantalones o el decorado se rompe. El sentido del humor o la capacidad de adaptarse a cualquier situación que no esté acorde al guión es también uno de los secretos de la actuación.

No tengas miedo de la audiencia

No tener miedo del público, salir con valentía hacia el público, no quedarse estupefacto frente a la cámara: los actores han aprendido todo esto durante años, han interpretado bastantes papeles y han leído más de un libro.

5. Carisma

Ésta es la cualidad o, podría decirse, el estado de ánimo que permite al actor “atrapar” al director de casting, al director y al espectador. No hace falta ser guapo, delgado y musculoso, rubio de ojos azules o moreno de ojos color pistacho. Necesitas irradiar energía poderosa, poder presentar ventajosamente tus ventajas, lo cual, sin duda, es secreto importante habilidades de actuación.

El espectador puede enamorarse de héroes completamente diferentes (con o sin cicatrices, con pelo o calvos, con una apariencia brutal o románticos incorregibles), pero nunca se tragará la falsedad, la mediocridad y la falta de confianza en sí mismo y en su talento. "actor". Un actor suena orgulloso y para ser llamado así es necesario aprender a actuar y amar esta profesión con todo el corazón.

El significado y la especificidad de la formación actoral.

El entrenamiento actoral es la afinación de las cuerdas individuales de un instrumento de actuación, manifestaciones psicofísicas individuales, como percepciones visuales, auditivas, táctiles y de otro tipo, visiones internas y memoria de diversas sensaciones y sentimientos; su análisis; sus manifestaciones en la imaginación y fantasía creativas, en la atención escénica, en el desarrollo de habilidades y habilidades para utilizar conscientemente en la acción escénica aquellos de sus elementos fraccionarios que aparecen involuntariamente en la acción de la vida y no requieren esfuerzos volitivos.

La preparación psicofísica es una de pasos necesarios existencia del actor.

Y en un teatro no profesional, en un escenario amateur o de formación, el calentamiento psicofísico tiene absolutamente el mismo papel que en un teatro profesional. La única diferencia, tal vez, es que al principio el actor aficionado ve en esta etapa de formación algo, digamos, no del todo obligatorio, algo que retrasa artificialmente la inmersión inmediata en el elemento del juego, la fantasía y la actuación.

La sintonía del actor puede y debe realizarse con mucho gusto, como muchos piensan, con una sonrisa, simplemente pasando de una tarea a otra, como solíamos decir, sin olvidar al mismo tiempo los pequeños y precisos comentarios y explicando los beneficios y la necesidad. lo mejor que podamos, como todo el mundo sabe, uno que otro ejercicio para el prof. crecimiento. Y ni siquiera hace falta decir que si un joven actor comprende el significado de la tarea, sabe lo que puede lograr también durante el proceso de entrenamiento, entonces comprenderá mejor y más rápido la necesidad de un calentamiento. En Stanislavski se combinan las dificultades de la práctica y la teoría.

Pocas personas saben que la posición sobre la primacía de la acción física también le permite construir con precisión un sistema para que los estudiantes dominen el arte de experimentar: la práctica va acompañada de la teoría, y la teoría, en general, refuerza la práctica, y todo esto se combina con formación, como mucha gente piensa, con un desarrollo detallado de las capacidades y destrezas individuales. Cabe señalar que el mecanismo de la creatividad está relacionado con los preceptos de Stanislavsky.

La única manera de conocerte a ti mismo es el camino de la acción, la acción activa sobre tu naturaleza y la interacción con ambiente. No hace falta decir que sólo en este camino una persona puede reconocerse verdaderamente, por decirlo suavemente, a sí misma, actuando en la vida y evaluando sus acciones.

El entrenamiento actoral debe, en general, partir de aquellas partes que crean una sensación de bienestar vital y se manifiestan en la acción. Pocas personas saben que sus primeros y más simples elementos son los sentimientos y percepciones que recibimos de los órganos de la emoción, constantemente conectados con el mundo que nos rodea. Naturalmente, el primer objetivo del entrenamiento es el desarrollo de los órganos emocionales y la mejora de los aparatos de percepción.

No existen sentimientos "puros": sólo visuales, por ejemplo, o sólo auditivos. Todo el mundo sabe que, en última instancia, los sentimientos están incluidos en las percepciones. varias combinaciones, con predominio, por así decirlo, de uno u otro, y en una persona todos están “apegados” al segundo, como todos creen, sistema de señales, a la palabra hablada o que pasa por los pensamientos. Por extraño que parezca, mejorar la memoria figurativa y dominar los mecanismos del pensamiento y del habla es el segundo objetivo del entrenamiento.

Al percibir el mundo que nos rodea y actuar en él, una persona está en constante cooperación con el mundo y las personas. Todo el mundo sabe que dominar el mecanismo de acción de la vida es la tercera tarea del entrenamiento.

Y todos están relacionados con la tarea principal: ¡hacerlo tú mismo!

Además del entrenamiento de autoobservación, Stanislavsky puede considerar dos tipos más de entrenamiento, reunidos bajo el título "baño de actor". Todo el mundo sabe que según el plan de Stanislavsky hay un entrenamiento diario de propiedades internas, mentales y físicas que ayudan a la creatividad del actor.

Por lo tanto, la formación actoral debe alinear el aparato creativo del estudiante con los requisitos del proceso creativo. Y ni siquiera hace falta decir que el entrenamiento, por tanto, mejora la plasticidad. sistema nervioso y ayuda, finalmente, a pulir, hacer flexible y pegadizo el instrumento psicofísico del actor, a revelar todas sus habilidades naturales y someterlas a un procesamiento sistemático, a ampliar la eficiencia de todas las habilidades existentes adecuadas, a amortiguar y simplemente eliminar las innecesarias y, en Al final, hacer los que faltan. Como puede ser, estas son sus principales tareas.

De hecho, la formación comienza con el desarrollo de la imaginación, la percepción visual, por así decirlo, en "El trabajo del actor sobre uno mismo".

La naturaleza fisiológica de las percepciones son los reflejos condicionados. Tenga en cuenta que los sentimientos homogéneos, que se acumulan, proporcionan la base para su formación. No existen sentimientos “puros”. De hecho, al interactuar con el medio ambiente, una persona acepta la realidad de muchas maneras: las percepciones sonoras están asociadas con las auditivas, etc. Cabe señalar que experimentos precisos han confirmado que el cuerpo funciona como un sistema de información de un solo canal, que en cada momento momento sólo puede reaccionar a una de las irritaciones que le afectan.

Está claro qué significado tiene el reflejo de traza en la acción de la vida y cuán fundamental es, finalmente, desarrollar la memoria de las percepciones, base para su rápido y, como todos sabemos, renacimiento accidental, si queremos que la acción escénica siga el leyes de la vida y para que los reflejos traza contribuyan a reproducir las emociones humanas genuinas.

Las capacidades sensoriales del actor se ampliarán y también se ampliará el alcance de sus capacidades mentales y sensoriales.

En sí mismo, el desarrollo de las habilidades sensoriales individuales, por así decirlo, puede no producir ningún efecto, aparte del local: aumentará la capacidad distintiva del tacto, por ejemplo, o mejorará la memoria de las percepciones auditivas. Realmente me gustaría resaltar que el efecto general, la expansión esfera general Habilidades sensoriales y mentales: simplemente surgiendo, pensamiento rápido, emociones que simplemente surgen que deberían volverse manejables, cambio rápido y natural de un sentimiento a otro, visiones internas coloridas: este efecto aparecerá solo en este caso, si los ejercicios de entrenamiento finalmente cumplen con los siguientes requisitos. condiciones:

Si cada uno de ellos, en general, entonces tiene un propósito físico específico, sin contar el principal, creativo;

Si el docente, vigilando el cumplimiento de la meta creativa, controlará finalmente la meta física del ejercicio realizado por el alumno;

Si el abanico de objetivos físicos es bastante amplio.

Habiéndose propuesto la tarea de actuar cada vez, como la primera vez, el actor debe contribuir a su propia naturaleza creativa, por lo tanto, activar el mecanismo desencadenante de la acción orgánica con la ayuda de la memoria de percepciones, pensamientos, visiones internas y otras tentaciones. e impulsos, para que la naturaleza creativa cree una versión nueva y sintetizada de la acción de acuerdo con las leyes, como la mayoría de las acciones de la vida. No hace falta decirlo, involuntario - ¡por lo accidental!

El actor debe aprender las siguientes lecciones de lo que ha dicho:

· Es necesario, en general, aprender a controlar su controlador muscular.

· Es necesario aprender a controlar el flujo de visiones internas, pensamientos, alternancia de imágenes sensoriales, cambio aleatorio de una distinción sensorial a otra.

· Es necesario finalmente aprender a dominar la continuidad de una acción que se desarrolla lógicamente.

La capacidad de nuestro cuerpo, en general, para registrar la secuencia y continuidad de los episodios capturados de la vida debe utilizarse para crear la habilidad creativa, la lógica y la coherencia de una tira continua ilustrada de subtexto. Imagínese que este objetivo se cumple en el entrenamiento con ejercicios como “película del día”.

Dominar, como todo el mundo sabe, la acción vital en el entrenamiento actoral también incluye dominar los mecanismos de la acción verbal. No hace falta decir que exigimos continuidad de la acción, en general, es decir, continuidad de todas las partes que, por tanto, la componen. Y ni siquiera es necesario hablar de qué exactamente, de las partes de la acción mental.

Convengamos en que cualquier acción mental (incluido el monólogo interno) existe en el entretejido de 3 componentes:

Ш discurso mental,

Sh cinta de visiones,

Sh microdiscurso.

Cada persona puede simplemente "escuchar" y "espiarse" a sí mismo esto, aquello y el tercero.

Llamemos discurso mental a una serie sucesiva de palabras y frases mentales dichas en silencio a uno mismo. No es ningún secreto que los pensamientos en forma de una cadena de visiones que surgen continuamente, cuando las palabras no se realizan constantemente, son una cinta de visiones.

La tercera variedad es más compleja. No es ningún secreto que esto no es solo una combinación de partes del habla mental y visiones. Parece una grabación abreviada y apresurada, intercalada con metraje fílmico; un resumen sensorial abreviado en el que una palabra reemplaza una frase completa, un rastro reflejo recuerda todo un complejo de bienestar físico específico y otro imagen visual También trae consigo una decena de asociaciones. Por supuesto, todos sabemos muy bien que, dado que aquí la base es el sistema verbal, a este tipo de acción mental lo llamamos microdiscurso. Todo el mundo sabe que no es necesario mencionar que ninguno de los fenómenos enumerados existe en forma pura. Sin duda cabe mencionar que todo pensamiento es un conglomerado de estos tres componentes con predominio del primero, del otro o del tercero.

La fecundidad de la interacción de los socios durante la comunicación y la expresividad externa del diálogo dependen en gran medida de cómo los pensamientos y el habla de los socios estén, por así decirlo, saturados de visiones.

Esta conclusión nos inspira a dirigir nuestra más severa atención al entrenamiento de las visiones internas.

Stanislavsky exigió que para cada papel se creara una película continua de visiones internas, que ilustrara el subtexto del papel. Es necesario enfatizar que la capacidad de evocar arbitrariamente visiones internas (¡una vez más, y por enésima vez!), la capacidad de cambiar de una visión a otra, ¡puede y debe entrenarse!

Al entrenar la capacidad del cerebro para evocar y retener visiones internas, el actor no sólo mejora los mecanismos de la memoria visual, sino que también desarrolla la plasticidad del sistema nervioso. No hace falta decir que la capacidad de controlar las visiones internas que simplemente surgen aumenta la receptividad sensorial de una persona.

La posición de Stanislavsky en este extracto de la obra "El trabajo del actor sobre uno mismo" es clara: la acción sobre un compañero y la percepción de esta acción por parte de otro socio es un acto que requiere la introducción activa y consciente de las propias emociones y visiones. en el otro, y en la pareja, una percepción activa de lo que, por tanto, se transmite.

Es en esta propiedad de la memoria: desarrollar en el tiempo una acción y el estado emocional asociado a ella, que se basa la posibilidad de vivir la vida. repetición una pieza sensorial de un rol, si la pieza fue previamente preparada por la lógica y secuencia de acciones pasadas y se apoya, como mucha gente piensa, en la visión figurativa y el habla mental.

Entonces, el principal requisito para la manifestación de una mayor sugestionabilidad y autohipnosis es una disminución del tono positivo de la corteza. Todo el mundo sabe que ¿cómo se puede fortalecer la función del primer sistema de señales durante la comunicación escénica? Esto se puede hacer mediante el afán de ver en la pantalla de la visión interna todo lo que se dice a la pareja, o lo que la pareja comunica, por así decirlo.

Finalmente, la concreción de las visiones juega un papel fundamental en este proceso.

Las visiones dan vida a la palabra. Sería malo si no advirtiéramos que ésta es la otra cara del proceso mismo cuando la palabra revive las visiones.

La conexión inextricable es la ley básica de la comunicación de la vida. Y, de hecho, para fortalecer la comunicación escénica y, en general, todas las "corrientes de comunicación interna" figurativas de Stanislavsky, como todos saben, fueron útiles para Stanislavsky, "la creación de una cinta de visiones que ilustran el subtexto", la "radiación y la percepción de rayos".

Y de esta manera se pueden sacar las siguientes conclusiones.

Como han dicho y seguirán diciendo prácticamente todos los directores, actores y profesores de teatro: “No se puede enseñar actuación, sólo se puede mejor escenario, enseña algunas habilidades de actuación; el resto viene de Dios”.

Y aquí nos enfrentamos a un problema: una habilidad se forma, por así decirlo, mediante su repetición constante, si no todos los días, al menos cada dos días. Imagínese un hecho: las clases de actuación deben impartirse una vez a la semana. No es ningún secreto que, sin embargo, finalmente hay que señalar que incluso en tal situación, al final es posible lograr ciertos resultados.

Durante su formación en el estudio o, como decimos, en la escuela de actuación, los estudiantes pasan por una gran cantidad de temas en el "Dominio del actor":

Ш trabajar en formación actoral;

Ш trabajo “Estoy en las circunstancias propuestas”;

Ш observaciones de: un objeto, un animal, un niño, una persona;

Ш trabajar con un objeto imaginario;

Ш trabajar en el rol;

Trabajamos en la imagen, etc.

Lo que contribuye, como decíamos, al sentimiento orgánico en las circunstancias escénicas.

Los métodos que desarrollan las habilidades de actuación son muy populares hoy en día tanto entre adultos como entre niños. La razón de esto son los requisitos que impone la vida misma: la capacidad de responder adecuadamente a los estímulos externos, actuar rápidamente en situaciones críticas, expresar los pensamientos de forma clara y clara.

Esta última cualidad es la más demandada por aquellos cuya ocupación está relacionada con la comunicación: profesores, empleados de empresas que suelen realizar presentaciones o informes. A continuación se presentarán las principales formas de ayudar a desarrollar talentos ocultos.

Reglas básicas para principiantes.

Generalmente la formación comienza desde el mismo técnicas simples Sin embargo, esto no significa que sean primitivos o ineficaces. Además, muchos de ellos se utilizan con éxito en las principales escuelas de actuación. Entonces, los conceptos básicos de la actuación incluyen:

• técnicas para lograr expresividad (pantomimas, pequeñas parodias);
• quien nombrará más palabras por carta;
• su propio imitador;
• tarea de fantasía (crear una biografía).

Además de estos, existen otros métodos, hay bastantes. En general, no tienes por qué fallar base científica o agilizar algunos de sus desarrollos, siempre y cuando funcionen. Por ejemplo, el juego del "teléfono roto" solía ser muy popular entre los niños, pero con su ayuda también desarrollan la capacidad de escuchar, improvisar y, a veces, transformarse.

La pantomima se conoce desde hace mucho tiempo; se puede decir que es uno de los secretos de la actuación. Un mimo debe poder transmitir cualquier cosa con la ayuda de la plasticidad, los movimientos y los gestos sutiles: un estado de ánimo, una acción, un evento. En la antigua Grecia, los actores utilizaban la pantomima para transmitir diferentes personajes e incluso personajes. Teniendo en cuenta que, por lo general, la composición de la compañía era estrictamente limitada (y solo incluía hombres), esto requería un talento notable.

Entre los juegos populares, un juego con el extraño nombre "Cocodrilo" se acerca mucho a la pantomima. El presentador, siguiendo instrucciones de los participantes, deberá utilizar exclusivamente gestos (sin decir una palabra) para describir una palabra, frase, dicho, acción, mientras que tendrá que hacer todo lo posible para que los demás jugadores puedan resolver el acertijo.

Ejercicios con palabras en cierta carta desarrolla el pensamiento imaginativo, enseña una percepción no estándar del mundo. El análogo más cercano es el juego de las ciudades. Puede recomendarse para desarrollar habilidades de actuación en niños. Entrena la memoria, la velocidad de reacción, la imaginación, desarrolla horizontes. La imitación se basa en la capacidad de repetir los modales, el habla y la forma de andar de otra persona.

Los parodistas lo dominan brillantemente. Ves la actuación de un imitador talentoso que interpreta a una persona famosa y te sorprendes: en apariencia no se parecen en nada, ¡pero todo lo demás es como dos guisantes en una vaina! La capacidad de "descarnar" en otro tipo ayuda a crear una imagen que corresponda al rol y a hacerlo lo más profundamente posible.

Una tarea de imaginación te resultará útil mientras viajas en transporte público: mirando a compañeros de viaje al azar, puedes imaginar mentalmente qué hace esta persona, dónde trabaja, cuál es su temperamento y sus hábitos. La tarea se complica cuando se conocen datos exactos sobre una persona, pero quien la describe no los conoce.

Un ejemplo clásico es cuando Sherlock Holmes le gastó una broma a su amigo médico invitándolo a hacer un “retrato” de un transeúnte (que en realidad resultó ser el hermano del detective). Para aquellos interesados ​​en diversas prácticas esotéricas, existe un ejercicio similar: necesitan, por la voluntad de su imaginación, imaginar que se encuentran en una ciudad desconocida o en un lugar completamente extraño y adaptarse gradualmente a su estado habitual.

Importante. Durante las clases, no es necesario tanto aprender rápidamente a utilizar las técnicas, sino centrarse en la calidad de su implementación. Y, por supuesto, no tengas miedo de experimentar.

Ejercicios para desarrollar la atención.

Los elementos dirigidos a la atención (concentración) son la base del trabajo del artista. Una persona siempre está rodeada de objetos y otras personas que le impiden realizar su trabajo con la máxima eficacia, precisión y precisión. Un actor debe poder, a pesar de los factores irritantes, “desconectarse” completamente de mundo exterior, centrándose en la tarea en cuestión (la encarnación de la imagen).

Uno de los más maneras simples cómo aprender a actuar en casa es una técnica cuenta atrás. Para hacer esto, debe cerrar los ojos y contar de 100 a 1 de manera uniforme, al mismo ritmo. Al mismo tiempo, el alumno mantiene una respiración uniforme y profunda, tratando de imaginar la imagen de cada número.

El segundo método está asociado con la capacidad de concentrarse en un tema específico. Debes adoptar una posición cómoda, concentrándote en algo, por ejemplo, el minutero de un reloj. Es muy importante imaginar que nada más que de este tema, no existe. Los hipnotizadores y psicoterapeutas utilizan una práctica similar cuando ponen a un paciente en un estado de trance profundo.

¿Qué tienen de especial los ejercicios de atención para niños?

Actuar para niños de 3 años en adelante implica los mismos ejercicios que para adultos, pero menos complejos. Por ejemplo, un juego común es "encontrar algunas diferencias". Al niño se le muestran dos imágenes que difieren entre sí. Al principio, está permitido dar pistas y empujar a los niños en la dirección correcta. Poco a poco, el bebé aprende a encontrar de forma independiente las piezas necesarias, eligiendo tareas cada vez más complejas.

Importante. Se requiere especial sutileza en la capacidad de interesar al niño e introducir un elemento de juego en la tarea. Si una palabra o acción descuidada disuade a un niño de participar en una actividad, no será tan fácil atraerlo nuevamente.

Cómo la pantomima ayuda a revelar el talento

La capacidad de transmitir emociones y experiencias sutiles mediante gestos, plasticidad y danza se conoce desde hace mucho tiempo. Ejemplos famosos de esta habilidad actoral para adultos: artistas callejeros, payasos de circo, teatro Kabuki japonés. El objetivo del artista es, teniendo a su disposición un arsenal limitado de herramientas (maquillaje, vestuario), transmitir lo que quiere al espectador con la mayor precisión posible. Esto requiere verdadero talento.

Además, los actores componen con un estilo especial y minimalista, poniendo especial énfasis en transmitir la idea a través del lenguaje corporal y los gestos. En el libro de Somerset Maugham The Theatre, la protagonista, la actriz principal, dominaba perfectamente el arte de hacer una pausa y, con la ayuda de esta técnica, desempeñaba perfectamente cualquier papel.

Una persona que practica la pantomima debe aprender a transmitir emociones a través de movimientos sutiles, girando el cuerpo, inclinando la cabeza: ira, tristeza, alegría, desesperación, y de tal manera que el espectador tenga una completa ilusión de lo que está sucediendo, sin ninguna duda.

Cómo desarrollar adecuadamente la coordinación.

La capacidad de moverse o coordinarse con fluidez y precisión es de gran ayuda para mejorar las habilidades de actuación de los adolescentes. El baile, los juegos al aire libre, incluidos los juegos de equipo y los deportes, están diseñados para acostumbrar el aparato vestibular a la orientación en el espacio.

Al mismo tiempo, tales actividades contribuyen al desarrollo de una personalidad armoniosa, completamente de acuerdo con el dicho de Chéjov, quien creía que todo en una persona debería ser hermoso. Algunos deportes, como el tenis, fortalecen los músculos y desarrollan el ojo al mismo tiempo. La realización de movimientos complejos que requieren una alta concentración en el patinaje artístico o la gimnasia también se logra mediante un entrenamiento persistente. Pero actuar para modelos incluye ejercicios sobre la capacidad de moverse con facilidad y plasticidad, así como el sentido del equilibrio.

Puedes empezar con lo básico: aprende a pararte sobre una pierna manteniendo el equilibrio. O lanzar la pelota a la pared, intentando atraparla en el rebote (más opcion dificil- de pie sobre una pierna). Desarrollan bien la coordinación en juegos que requieren moverse esquema complejo, mientras realiza alguna tarea: baloncesto, fútbol, ​​hockey.

La actuación para principiantes incluye ejercicios para mantener el equilibrio en una viga o barra de equilibrio y carreras de obstáculos.

Ejemplos de ejercicios y estudios.

No importa si actuar es necesario para la vida o simplemente como un pasatiempo, para desarrollarlo, todos pueden desarrollar varios ejercicios básicos, repitiéndolos, es muy posible lograr resultados tangibles:

1. Haz ejercicio frente a un espejo. Mirando tu reflejo, lee un poema con expresión, canta, intentando transmitir las emociones de la forma más plena posible. Ayuda a prepararse para hablar en público, desarrolla la dicción y reduce el umbral del miedo a hablar en público.
2. Representa el estado de ánimo. Intente utilizar la posición del cuerpo y las expresiones faciales para abrumar las emociones (por ejemplo, la alegría). Para hacer esto, necesita imaginar algún evento brillante, literalmente sentirlo nuevamente y reproducirlo, crear la imagen de una persona feliz. Esta misma categoría incluye consejos sobre cómo aprender a llorar con la ayuda de la actuación: debes recordar algún evento triste e insoportable en tu vida (tragedia personal, experiencia emocional) y obligarte a revivirlo nuevamente.
3. Improvisación libre. Encuentra una imagen única, recréala según hasta el más mínimo detalle(andar, habla, comportamiento, acento) y con su ayuda completar el retrato. Puedes hacer caricaturas amigables de amigos y conocidos y luego preguntarles qué tan exitosa fue la copia.

Atención. Durante cualquier ejercicio, es importante no exagerar, confiar en la sinceridad y sutileza de las experiencias y no hacer un énfasis excesivo en las manifestaciones externas de las emociones.

En conclusión

No existen métodos absolutamente universales para aprender a actuar; sólo existen recomendaciones generales. Y a partir de ellos, cualquier persona (profesor, estudiante, empresario, aspirante a artista) puede desarrollar sus talentos naturales o adquirir nuevas habilidades.