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Barnett Newman es un artista, filósofo y publicista estadounidense que, junto con Mark Rothko, es uno de los representantes más famosos e influyentes del expresionismo estadounidense. El camino de Newman hacia la fama resultó difícil y muy largo: cuando realizó su primera exposición, ya tenía más de cuarenta años y los críticos lo destrozaron. El artista destruyó todos sus primeros trabajos durante cuarenta años y se concentró en un estilo que se convertiría en el progenitor del minimalismo: grandes lienzos de colores planos cortados con líneas finas que Newman llamó "zip", algo así como una cremallera que puede abrir lienzos de color. y deja que el espectador entre en la nada detrás de la pintura. Durante casi diez años trabajó en completo aislamiento. El reconocimiento le llegó a los sesenta años, y las ciento veinte obras que realizó se convirtieron en clásicos del expresionismo. En este ensayo, Barnett Newman critica la ciencia, argumentando que la creatividad no es sólo el estado más elevado, sino el primario de la conciencia humana. Es importante comprender que aquí la ciencia no se entiende estrictamente: esta palabra es más bien una metáfora de un método específico de pensamiento, basado en el análisis, pero sin propósito ni significado, a diferencia de la creatividad. Este ensayo se lee mejor como poesía, tratando de captar la imagen central: el primer hombre fue un artista.

No hace mucho, los científicos desenterraron otra metáfora. A partir de los dientes de un dragón chino, cuidadosamente apilados en los estantes de las farmacias de Shanghai y que anteriormente reposaron en las profundidades de la isla de Java durante medio millón de años, recrearon Meganthropus palaeojavanicus, un gigante que, según los paleontólogos, era nuestro lejano antepasado. Para algunos, en realidad se volvió más real que los cíclopes y el gigante devorador de hombres del cuento de hadas sobre Jack y el frijol. Quienes no creen en la creación del poeta y rechazan el cuento infantil están ahora convencidos de la verdad de un nuevo descubrimiento de hace quinientos mil años. ¿Deberíamos, como artistas, discutir con quienes necesitan evidencia científica para creer en la poesía? ¿O es mejor dejarles disfrutar de su fantasía, escondida en la tierra y expresada por una hilera de dientes? Después de todo, para ellos la verdad finalmente se ha convertido en verdad.

Aún así, debemos argumentar, porque una de las consecuencias de este descubrimiento paleontológico fue un intento de reclamar derechos sobre la creación del poeta: la afirmación de que el gigante no fue descubierto por primera vez por un poeta, sino por un científico. En este caso, no basta que el poeta hable con arrogancia de su papel y repita que su trabajo no es descubrir hechos, sino darles una forma específica. Tal posición, por irrefutable que sea, separa al artista de todos los demás, pone su papel en conflicto con el papel de otras personas. Por tanto, el debate debe implicar una crítica a la paleontología y una reevaluación de la ciencia en general.

Durante los últimos sesenta años hemos visto una incursión masiva de la ciencia en los campos de la cultura, la historia, la filosofía, la psicología, la economía, la política y la estética en un ambicioso intento de reclamar el mundo inmaterial. ¿Cuál es la razón? ¿No teme que su interpretación materialista de los fenómenos físicos, su limitación al ámbito de la física y la química, signifique para la ciencia una posición insignificante en la historia si el mundo físico tiene sólo un papel muy pequeño en la resolución de cuestiones metafísicas? ¿El deseo de la ciencia de dominar todas las esferas del pensamiento ha llevado al uso de métodos políticos? Al rechazar lo metafísico, se proporcionó un sentimiento de confianza en la corrección de sus propias actividades.

Al igual que los estados y las iglesias, la ciencia se vio obligada a recurrir a una conquista agresiva para asegurar la protección de su campo de la física.

Para realizar esta expansión, el científico tuvo que abandonar las actividades revolucionarias de la ciencia en favor de un enfoque teológico.

El poder de la ciencia sobre las mentes de la gente moderna se logró mediante la simple táctica de descuidar la pregunta científica original y principal: ¿qué es? Cuando se descubrió que utilizar esta pregunta para guiar la investigación era utópico, los científicos pasaron a utilizar otras preguntas. Esto no fue difícil de hacer, porque los científicos podían explotar la influencia que las matemáticas, como símbolo romántico de pureza y perfección, tenían en la mente de las personas. La reverencia por el método científico es tan fuerte que se ha convertido en una nueva teología. Y el ritmo de la lógica ritualista científica, su identificación de la verdad con la evidencia, es tan perfecto que pesa más que el antiguo éxtasis de la búsqueda científica.

Hay una diferencia entre método e investigación. Desde el principio, la investigación científica se ha planteado una única pregunta: ¿qué es? ¿Qué es un arco iris, qué es un átomo, qué es una estrella? En un esfuerzo por encontrar una respuesta a esta pregunta, la ciencia ha construido todo un sistema de pensamiento que tiene su propia verdad, porque esta pregunta sirve de base para la obtención de conocimiento descriptivo y posibilita la síntesis de la investigación (la repetición constante de la pregunta). “¿Qué es?”) y su instrumento (matemáticas o lógica) para encontrar la respuesta. El método científico como tal, por el contrario, está desprovisto de esta cuestión fundamental. Puede reemplazar esta pregunta por cualquier otra o funcionar sin ella por completo.

Sin embargo, la elección de la pregunta (es decir, el propósito del estudio) es la base de la actividad científica.

Por eso es tan desafortunado ver a un científico que se enorgullece tanto de su pensamiento crítico, creyendo incondicionalmente en el ritual del método ciego, que encanta con su danza ceremonial al son incesante de la evidencia no sólo al observador no iniciado, sino También el propio científico.

¿Qué diferencia hay si el primer hombre fue un gigante o un pigmeo? Cómo era él es una pregunta que nos importaría hoy. Al fin y al cabo, si supiéramos cómo era el primer hombre, podríamos entender lo que le falta al hombre moderno. Construyendo una ciencia sentimental en torno a la pregunta "¿quién?" (¿quién fue su tatarabuelo?), la paleontología, sin embargo, no pudo evitar la pregunta principal, porque según las creencias del método científico, no hay ni puede haber evidencia suficiente para una respuesta positiva. Después de todo, la paleontología, como otras ciencias especulativas, ha entrado en un campo donde las únicas cuestiones que vale la pena discutir no pueden resolverse. No podemos perdonar a la paleontología que abandone su principal deber científico, porque reemplazó la cuestión científica por una cuestión sentimental. Entonces, ¿quién fue el primer hombre: un cazador, un artesano, un agricultor, un trabajador, un sacerdote o un político?

Sin duda, el primer hombre fue un artista.

La ciencia paleontológica que hace esta suposición puede crearse sobre la base del postulado de que la actividad estética siempre precede a la actividad social: la veneración totémica del tigre ancestral tenía lugar antes del acto de matar. Hay que recordar que la necesidad de fantasía es más fuerte que cualquier necesidad utilitaria, pero en la ciencia la necesidad de comprender lo incognoscible precede al deseo de descubrir lo desconocido.

La primera autoexpresión del hombre, así como su primera fantasía, fue estética. El habla era una llamada poética, no un deseo de comunicación. Los sonidos que emitía el hombre primitivo eran gritos de horror y de ira ante la tragedia de su propia situación, su autoconciencia y su impotencia ante el vacío. Los filólogos y semiólogos están ahora dispuestos a aceptar la idea de que si el lenguaje se define como la capacidad de comunicarse mediante signos, ya sean sonidos o gestos, el lenguaje es una facultad animal. Cualquiera que haya visto a una paloma común coquetear con su hembra entiende que ella sabe lo que quiere.

Lo humano en el lenguaje es literatura, no comunicación. El primer grito del hombre fue una canción. El primer llamamiento al prójimo fue un grito de fuerza y ​​​​humildad, y no una petición de emborracharse. Incluso un animal intenta en vano crear poesía.

Los ornitólogos interpretan el canto del gallo como un estallido de poder extático.

Y el somorgujo, deslizándose solitario sobre la superficie del agua, ¿a quién se dirige? Un perro, completamente solo, le aúlla a la luna. ¿Debemos concluir que el primer hombre se dirigió al sol y a las estrellas como dioses como un acto de comunicación y sólo después del final de su jornada laboral? El mito es anterior a la caza. El propósito del primer acto de habla del hombre fue abordar lo incognoscible. Su comportamiento se basó en su esencia creativa.

Así como el primer acto de habla del hombre fue poético antes de convertirse en utilitario, el ídolo de barro fue creado antes de la invención del hacha. La mano del hombre movía un palo a través de la tierra, tratando de trazar una línea antes de aprender a lanzar el palo como una jabalina. Los arqueólogos afirman que la hoja del hacha simbolizaba la cabeza del ídolo. Ambos objetos fueron encontrados en la misma capa de suelo, por lo que deben pertenecer a la misma época. Probablemente sea cierto que la cabeza del ídolo no podría tallarse sin una herramienta adecuada, pero esto es una cuestión de artesanía más que de época, ya que el ídolo de barro es anterior tanto al ídolo de piedra como al hacha (un ídolo puede estar hecho de barro, pero no un hacha).

El ranking de los artistas más caros del mundo lo encabeza Leonardo Da Vinci y lo completa Paul Cézanne. La diferencia de precio entre la primera y la última posición del top 24 del ranking es de 389,8 millones de dólares

La calificación se basa en los resultados de la subasta abierta. Se basa en los resultados teniendo en cuenta la Prima de Comprador, expresada en dólares (las cifras mostradas en las subastas europeas, es decir, en libras o euros, se convierten a dólares al tipo de cambio del día de la negociación).

1. 450,3 millones de dólares. Salvador del mundo. Alrededor de 1500

Probablemente la próxima vez no editemos esta línea muy pronto. 450.312.500 dólares es un récord ni siquiera para años, sino probablemente para toda la próxima década.

Además, según los rumores, el récord actual en el ámbito de las ventas privadas es de 300 millones de dólares para un cuadro de Paul Gauguin), por lo que "Salvator Mundi" de Leonardo Da Vinci es el cuadro más caro del mundo, no en ningún segmento concreto del mundo. el mercado del arte, pero en un sentido absoluto.

Sorprendentemente, la venta histórica se llevó a cabo en condiciones de un entorno informativo que distaba mucho de ser ideal. En primer lugar, no hubo unanimidad total entre los expertos sobre la atribución de este trabajo. Pero muchos expertos estuvieron de acuerdo con los argumentos de que se trataba de Leonardo y no de su alumno Giovanni Boltraffio, y este "amplio consenso" fue suficiente para Christie's y el comprador. En segundo lugar, las circunstancias de la adquisición de esta cosa fueron como un cuento de hadas: en 1958 fue comprada en Sotheby's por 45 libras como pieza de un alumno de Leonardo, luego, ya en la década de 2000, fue comprada en una subasta por unos 10.000 dólares. , luego la vendió al comerciante Yves Bouvier por 80.000.000 de dólares, y ya revendió “El salvador del mundo” al multimillonario Dmitry Rybolovlev, aparentemente por 127.500.000 de dólares. La venta se produjo en el contexto de meses de litigio entre Rybolovlev y Bouvier. El multimillonario acusa al marchante de no ser del todo sincero con él y de venderle cuadros a precios exorbitantes. Leonardo se convirtió en una rara excepción en una serie de compras fallidas (desde un punto de vista financiero). ¡Pero qué!

La casa de subastas Christie’s ha trabajado mucho para popularizar su lote más importante de la historia reciente. "El Salvador del mundo" fue visto por decenas de miles de espectadores. Entre ellos se encontraba el actor Leonardo DiCaprio. Según una leyenda familiar, lleva el nombre del artista y pronto interpretará al propio maestro en una película biográfica. En 2017, Paramount adquirió los derechos cinematográficos del libro Leonardo da Vinci de Walter Isaacson. El gran interés de los últimos años por Leonardo y la futura película sobre él, e incluso con DiCaprio, por supuesto, no puede considerarse una de las explicaciones prioritarias del fenomenal precio de subasta, pero como factor acompañante es muy posible.

2. 179,4 millones de dólares. Mujeres argelinas (versión "O"). 1955

Pablo Picasso (1881-1973): fundador del cubismo, destacado pintor, artista gráfico, escultor y ceramista, que tuvo una fuerte influencia en el desarrollo de todo el arte del siglo XX.

El 11 de mayo de 2015 se pagaron 179,4 millones de dólares (incluida la comisión) por el cuadro “Mujeres argelinas (versión “O”)” de 1955.

El cuadro de libro de texto “Mujeres argelinas (Versión “O”)” pertenece a una serie de cuadros pintados por Pablo Picasso entre diciembre de 1954 y febrero de 1955 basados ​​en el famoso cuadro del mismo nombre de Eugene Delacroix. "Mujeres argelinas" de Delacroix, que pertenece a la colección del Louvre, en un momento causó una impresión muy fuerte en Picasso, quien repetidamente dijo que quería escribir su propia versión; Esta serie también estuvo dedicada a la memoria de su amigo y rival artístico Henri Matisse, fallecido en noviembre de 1954. Como dijo Picasso: “Cuando Matisse murió, me dejó sus odaliscas como legado”. Todas las obras de Picasso de esta serie están numeradas con letras del alfabeto latino de la “A” a la “O”. Así, el cuadro vendido por un precio récord es el último, el decimoquinto de la serie.

"Mujeres argelinas (versión O)" de Picasso proviene de la colección de Victor y Sally Ganz. Este matrimonio de Nueva York, a pesar de sus modestos ingresos, logró crear una colección durante cincuenta años, que en la subasta de 1997 recaudó 206,5 millones de dólares. Además, los cónyuges Ganz gastaron en total alrededor de 2 millones de dólares en la compra de todas estas obras. Uno de los primeros retratos de Marie-Thérèse Walter de Picasso (el famoso cuadro “El sueño”) apareció en su colección: en 1941 Victor Ganz lo compró por 7.000 dólares y en 1997 lo vendió por 48,4 millones de dólares. "Mujeres argelinas (versión "O")", su estimación preliminar en la subasta de 1997 fue de entre 10 y 12 millones de dólares, y el precio de remate alcanzó los 31,9 millones de dólares. Casi veinte años después, el resultado de "Mujeres argelinas" fue 5,6 veces mayor que el de "Mujeres argelinas". el resultado de 1997.

3. 170,4 millones de dólares. Desnudo reclinado. 1917-1918

En la subasta temática de Christie's "La musa del artista", que tuvo lugar el 9 de noviembre de 2015 en Nueva York, el cuadro "Desnudo reclinado" de Amedeo Modigliani (1917-1918) se vendió por la cifra récord de 170,405 millones de dólares. El lote se estimó en unos 100 millones de dólares. (La estimación exacta no fue revelada). Este resultado elevó la cifra récord para las obras de Modigliani en hasta 100 millones de dólares: hasta el 9 de noviembre, la obra más cara de Modigliani era la escultura "Cabeza", vendida en Sotheby's en noviembre de 2014 por 70,7 millones de dólares.

El récord del cuadro “Desnudo reclinado” puede considerarse fenomenal también porque ningún cuadro del artista se ha acercado jamás a tales cifras: anteriormente, sólo ocho de sus cuadros superaron el nivel de subasta de 30 millones de dólares desde 2010. La clasificación de los cuadros de Modigliani la encabezó “Desnudo, sentado en el sofá”, vendida por 68,96 millones de dólares, incluido el encargo de Sotheby's. Ahora Modigliani se ha unido con confianza al “club” de artistas cuyas obras se venden por más de 100 millones de dólares, donde lo acompañan Pablo Picasso, Francis Bacon, Alberto Giacometti, Edvard Munch y Andy Warhol.

El cuadro “Desnudo reclinado”, al igual que el anterior poseedor del récord, “Desnudo sentado en un sofá”, fue comprado directamente al artista por su amigo, el coleccionista parisino Marchand Léopold Zboroswki.

Según Christie's, "Desnudo reclinado" fue uno de los varios desnudos escritos para Zborowski que causaron un escándalo en la primera y única exposición de Modigliani en la galería Berthe Weil de París en 1917. Para atraer visitantes, Zborowski decidió exhibir varios desnudos en el escaparate de la galería. (“Tumbado desnudo”, entre otras cosas.) Los transeúntes inmediatamente se apiñaron alrededor de la ventana. Desafortunadamente, la comisaría estaba frente a la galería. Los agentes del orden se interesaron por la multitud que se había reunido al otro lado de la galería. calle, y llamó a la dueña de la galería a la estación, según Bertha Weil, comisaria entre risas de los “pobres demonios” que se encontraban en la estación, le ordenó que “retirara inmediatamente toda esta basura”, que era lo que hacía. ella tenía que hacer.

"Desnudo reclinado" se publicó a menudo en catálogos y monografías sobre Modigliani, participó en exposiciones en el Centro de Bellas Artes (Bruselas), el Museo Stedelijk (Ámsterdam), el Rijksmuseum de Arte Moderno (París), la Tate y el Royal Academy of Arts (ambas galerías - Londres), en el MoMA (Nueva York) y en el Palacio Real de Milán.

La obra formaba parte de la colección de Gianni Mattioli, uno de los principales coleccionistas italianos, y su hija, la crítica de arte Laura Mattioli Rossi, subastó el cuadro en Christie's.

En la subasta del 9 de noviembre, nada menos que seis postores pujaron por “Desnudo reclinado” en 9 minutos. El ganador fue un comprador que hizo una oferta por teléfono. Después de un tiempo, se supo que la obra fue comprada por el multimillonario chino Liu Yiqian. El nuevo propietario dijo que planea trasladarlo a Shanghai, donde él y su esposa Wang Wei abrieron dos museos privados. En el mundo, Liu Yiqian es conocido como el "magnate de los taxis". Cuando era adolescente, durante los años turbulentos de la Revolución Cultural, Liu Yiqian realmente hacía girar el volante en las calles de Shanghai. En los años 1980 y 1990 hizo fortuna especulando en los mercados inmobiliario y farmacéutico. En 2015, la fortuna de Liu Yiqian se estimaba en 1.500 millones de dólares.

4. 144 millones de dólares. Doce paisajes. 1925

El 17 de diciembre de 2017, en la subasta Poly International de Beijing se estableció un récord absoluto de ventas de pinturas chinas. Una serie de dibujos a tinta del artista chino Qi Baishi (1864-1957) titulada “Doce paisajes”, que datan de 1925, se subastaron por 931,5 millones de yuanes, o 144 millones de dólares.

Qi Baishi, el maestro de la pintura nacional china Guohua, nació en 1864 (según otra versión, en 1860) en una familia de campesinos pobres. Aunque Qi Baishi mostró interés por la creatividad desde pequeño, hasta los cuarenta años su principal fuente de ingresos fue la carpintería. Pero incluso aquí sus habilidades artísticas encontraron aplicación: talló figuras de animales, cajas de rapé y grabó grabados populares en madera. Y al mismo tiempo no abandonó la pintura y la caligrafía. No fue hasta finales de los sesenta que Qi Baishi se mudó a Beijing y se dedicó por completo a la pintura. En sus últimos años, Qi Baishi, que nunca recibió una educación artística profesional, logró reconocimiento a nivel nacional: en 1953, el Ministerio de Cultura de la República Popular China le otorgó el título de "Gran Artista del Pueblo Chino". " Qi Baishi murió en 1957 a la edad de 93 años.

Hoy en día, el amor nacional de los chinos por su “gran artista” también se expresa en términos monetarios. Durante muchos años seguidos, Qi Baishi se encuentra entre los artistas chinos más caros, tanto en términos de facturación total en subastas como en el precio de las obras individuales. Por ejemplo, en mayo de 2011, una de sus obras, “Larga vida, paz tranquila” (“Águila sobre un pino”), escrita en 1946 para Chiang Kai-shek, se vendió por 425,5 millones de yuanes (65 millones de dólares). Y en 2016, Qi Baishi ocupó el tercer lugar en ventas de subastas en el mundo, después de su compatriota Zhang Daqiang y Pablo Picasso. Ahora Qi Baishi se ha convertido en el primer artista chino en cruzar la marca de los 100 millones de dólares en una subasta.

Los "Doce paisajes" de Qi Baishi representan montañas, pueblos y árboles chinos en flor en tonos de azul, gris, marrón y rosa. El tamaño de cada una de las 12 obras es impresionante: 1,8 metros de alto y casi medio metro de ancho. Las pinturas del artista son bastante tradicionales, lo que aparentemente conviene a los coleccionistas chinos millonarios. La casa de subastas no reveló quién compró exactamente "Doce paisajes" por una cantidad récord.

5. 142,4 millones de dólares. Tres bocetos con Lucien Freud. 1969

En la subasta de arte contemporáneo y de posguerra celebrada en Christie's el 12 de noviembre de 2013, el tríptico de Francis Bacon "Tres bocetos con Lucien Freud" se vendió por una cantidad asombrosa: 142,4 millones de dólares. Un precio tan alto, un récord para el artista y para él. todo el mercado del arte- fue más inesperado que natural. Antes de la subasta, el tríptico se estimaba en 85 millones de dólares (la estimación exacta está disponible a pedido). El récord anterior para las obras de Bacon, que se mantenía desde 2008, era de aproximadamente 85 millones de dólares, o más exactamente, 86,281 millones de dólares. Esto es lo que Roman Abramovich pagó por el Tríptico de 1976 en Sotheby's en Nueva York el 14 de mayo de 2008.

Para alcanzar el nivel de precios del boom del arte, e incluso superarlo, la casa de subastas necesitaba conseguir una obra verdaderamente excepcional. El tríptico “Tres bocetos con Lucien Freud” de 1969 se corresponde plenamente con esta definición.

En primer lugar, con este tríptico conocerás a dos maestros del arte de posguerra al mismo tiempo: su no menos famoso colega Lucian Freud posó para Bacon. Freud y Bacon se conocieron en 1945 y fueron amigos durante décadas, se escribieron más de una vez, pero también compitieron profesionalmente. Se crearon "Tres bocetos con Lucien Freud" dentro de los muros del Royal College of Art de Londres (el propio taller de Bacon en ese momento resultó dañado por un incendio).

En segundo lugar, es uno de los dos trípticos existentes de Bacon en los que el modelo aparece representado en altura completa. El segundo tríptico de este tipo, de 1966, se exhibió por última vez en 1992, pero se desconoce dónde se encuentra ahora.

En tercer lugar, el tríptico tiene un fondo muy alegre: un amarillo soleado. Francamente, esa positividad no es típica de la obra oscuramente surrealista de Bacon. Un analista extranjero, después de una venta récord, incluso llamó a este color “el color del oro que tiene un efecto magnético sobre los coleccionistas”.

Francis Bacon consideró este tríptico una de sus mejores obras; Fue una de las exposiciones más importantes de la histórica retrospectiva del artista en el Grand Palais en 1971-1972. Posteriormente, a mediados de los años 1970, las partes del tríptico estuvieron separadas durante casi 15 años. Uno de ellos se exhibió de forma independiente en la Tate en 1985. Bacon reaccionó de manera extremadamente negativa a esta división; debajo de una fotografía del lado izquierdo desprendido del tríptico escribió: "un fragmento de un tríptico... y creo que pierde sentido hasta que se reúne con los otros dos fragmentos". Las piezas se volvieron a juntar en 1999, en una exposición en New Haven (Connecticut). Y ahora los tres retratos de cuerpo entero de Lucian Freud fueron a parar a un nuevo comprador por 142,4 millones de dólares. Dicen que el tríptico lo compró William Acquavella, posiblemente en interés del cliente.

6. 141,3 millones de dólares. Hombre señalador. 1947

Alberto Giacometti es el clásico (literalmente) más respetado de la escultura mundial. Sus figuras marchitas, casi etéreas, que simbolizan la alienación y la soledad del hombre en el mundo moderno, alcanzan invariablemente altos precios en las subastas. Durante algún tiempo, Giacometti incluso superó a todos los pintores juntos: el 3 de febrero de 2010, la escultura "Walking Man I" se vendió por 65 millones de libras (104,3 millones de dólares). Este, por cierto, fue el primer lote de subasta en el mundo que superó el umbral de los 100 millones de dólares.

Más de cinco años después, la escultura "El hombre que señala" (1947) alcanzó nuevas alturas en las subastas: el resultado (incluido el encargo) fue de 141,3 millones de dólares. Este es un récord no sólo para Giacometti, sino para todo el mercado de la escultura.

La escultura Pointing Man fue concebida y ejecutada por Giacometti en 1947 en tan solo una noche. Como le dijo el escultor a su biógrafo, en unos meses se inauguraría en Nueva York su primera exposición personal en 15 años de actividad creativa. Los plazos eran apremiantes y una noche de octubre esculpió el primer modelo en yeso. De él se realizaron seis vaciados y una copia original. En la exposición posterior, en enero de 1948, "Pointing Man" ocupó un lugar central en la exposición junto a "Walking Man" y "Standing Woman". La exposición causó sensación y Giacometti se convirtió instantáneamente en una estrella de la escena artística neoyorquina de la posguerra.

Hoy en día, la escultura "Pointing Man" se encuentra en las colecciones del MoMA, la Tate Modern y otros dos museos. Los tres ejemplares restantes se conservan en colecciones privadas y colecciones de diversas fundaciones. La pieza que fue puesta a subasta es supuestamente la única que fue pintada a mano por el propio Giacometti. En 1953, fue adquirido en la Galería Pierre Matisse por los famosos coleccionistas Fred y Florence Olsen. Desde 1970, la escultura perteneció a una colección privada, de la que fue subastada por primera vez en la historia. Como dijeron los organizadores de la subasta, ofrecieron al propietario una garantía, pero él se negó, diciendo que si el artículo no se vendía, se lo quedaría. "Es posible que se sintiera un poco molesto porque realmente lo compraron", comentó un representante de Christie's.

Giacometti fue uno de los artistas más apasionantes del siglo XX. El hombre de Giacometti está abandonado a sí mismo, nadie lo necesita, no tiene el apoyo de Dios y el hombre no busca su protección. Giacometti es un gran humanista: su obra nos dice que el hombre sólo puede confiar en el hombre, que él es plenamente responsable de sí mismo y de los demás. Las figuras de Giacometti tienen rostros delgados y nerviosos, ojos vivaces y pies grandes: a pesar de todos los sobresaltos, se mantienen firmes en el suelo.

7. 119,9 millones de dólares Edvard Munch. Gritar. 1895

El 2 de mayo de 2012, la obra “El grito” de Edvard Munch fue comprada en Sotheby's por 119.922.500 dólares. Con este resultado, el pastel de 1895 superó a la obra “Desnudo con busto y hojas verdes” de Pablo Picasso (que, por cierto, permaneció en el sitio). primeros del ranking dos años sin dos jornadas).

La pintura es una de las cuatro versiones existentes pintadas sobre el famoso tema, y ​​la única en manos privadas (las otras tres se conservan en museos noruegos). También es único que en el marco, realizado por el propio artista, está escrito su poema con pintura roja: “Mis amigos siguieron adelante, / Y yo me quedé atrás, / Temblando de ansiedad: / Sentí el Grito ensordecedor de la Naturaleza. EM.”

La obra fue subastada por el empresario noruego Petter Olsen, hijo del amigo, vecino y mecenas de Munch, Thomas Olsen, quien la adquirió en 1937. Tras la subasta, el antiguo propietario afirmó que para él el significado del cuadro es un encuentro con la muerte y también, en el contexto actual, una conciencia aterradora del daño que la humanidad ha causado a la naturaleza.

Los beneficios de la venta del cuadro se destinarán en parte a la creación de un museo en la ciudad de Hvitstene (Noruega), donde vivieron Munch y Thomas Olsen; El futuro museo albergará la colección de Petter Olsen, quien también participa en la restauración de la casa y el estudio de Munch.

El precio del cuadro de Munch es un récord en todos los aspectos. Antes de la subasta del 1 de mayo de 2012, el pastel más caro del mundo era “Bailarina en reposo” de Edgar Degas (c. 1879), que ganó 37 millones de dólares en la subasta de Sotheby's en Nueva York en noviembre de 2008. Este récord quedó muy por detrás del récord anterior de Munch, establecido por la pintura "El vampiro", de 1894, que recaudó 38,1 millones de dólares en Sotheby's de Nueva York en noviembre de 2008 (el comprador fue la Galería Gagosian).

8. 110,5 millones de dólares. Intitulado. 1982

El 18 de mayo de 2017, la lista de las obras más caras jamás vendidas en subasta pública se completó con una obra de Jean-Michel Basquiat. En la subasta de arte contemporáneo de Sotheby's, la obra "Sin título", pintada con pasteles al óleo, acrílico y aerosoles sobre lienzo, se vendió por 110,5 millones de dólares. El comprador fue el multimillonario japonés Yusaka Maesawa, un apasionado admirador del arte moderno en general y de Basquiat en particular. . También realizó la anterior compra récord de Basquiat: en 2016, Maesawa compró otra obra “Sin título” (1982) por 57,3 millones de dólares. Resulta que el 18 de mayo de 2017, el precio récord de una obra de Jean-Michel Basquiat casi se duplicó. .

La imagen característica de Basquiat, ya sea una máscara o una calavera, batió varios récords a la vez. En primer lugar, se convirtió en la obra más cara de un artista estadounidense. En segundo lugar, por primera vez en la historia se pagó tanto por el trabajo de un artista negro. Y en tercer lugar, el cuadro “Sin título” (1982) batió el récord de precio para las obras realizadas después de 1980. Sin mencionar que con esta venta, Jean-Michel Basquiat entró en una especie de club de artistas cuyas obras se venden por más de 100 millones de dólares. Si Basquiat hubiera vivido para ver este día, habría tenido 57 años, pero, por desgracia, una dosis destructiva de heroína decretó lo contrario: el artista falleció a la edad fatal de 27 años para muchos estadounidenses legendarios (como Hendrix, Joplin o Morrison).

Todo empezó en las calles de Nueva York, donde Jean-Michel, de 17 años, se escapó de su padre y su madrastra (el primer intento fallido de fuga se produjo cuando tenía 15 años). La madre de Jean-Michel ingresó en un hospital psiquiátrico cuando el niño tenía 13 años y pasó un tiempo en clínicas de salud mental. la mayoría de de tu vida. Al padre no le importaba su hijo. Sin embargo, no debes imaginar la infancia del futuro artista, llena de penurias y humillaciones. Creció con dos hermanas en una familia bastante rica (su padre era un economista de éxito). Jean-Michel recibió una buena educación, leía mucho cuando era niño, se interesaba por la historia, la poesía y, por supuesto, el arte. Incluso formó parte de la junta directiva del Museo de Brooklyn. Gracias a su padre haitiano y su madre puertorriqueña, Jean-Michel hablaba con fluidez francés, español e inglés. Jean-Michel no era un “niño de la calle” por nacimiento, sino que lo fue por elección propia. Fueron las calles de Nueva York las que despertaron su talento artístico y formaron el estilo único de Basquiat, basado en su formación intelectual y la energía rebelde del graffiti callejero. A pesar de todo el primitivismo y el “primitivismo” externos, las obras de Basquiat son profundamente conceptuales, llenas de referencias a la herencia literaria y artística del pasado.

A partir de 1976, comenzaron a aparecer inscripciones en casas, cercas y vagones del metro de Nueva York, cuyo significado era vago (como "El peluche es seguro, piensa ..." - "cree que el peluche protege"). Entonces todo el que se respeta a sí mismo. artista callejero firmó sus obras. Estas inscripciones aparecieron en nombre de un tal "SAMO" (abreviado como "la misma mierda de siempre", en términos literarios, luego "la misma de siempre"). Basquiat y su amigo Al Díaz adoptaron este seudónimo. La amistad duró hasta 1979 y terminó con la inscripción “SAMO is dead” (“SAMO está muerto”). Basquiat comenzó a allanar su camino hacia la fama de forma independiente. Vendió camisetas y postales con sus dibujos, formó una banda de noise-rock con la que actuó en discotecas y protagonizó películas independientes. Siguiendo el consejo de un amigo, me dediqué a pintar en serio.

El primer éxito se produjo a principios de los años 1980. Primero una exposición colectiva y luego una exposición personal, así como un artículo de René Ricard “El niño radiante” en la famosa revista Artforum hicieron que Basquiat fuera ampliamente conocido en un círculo estrecho pero necesario. En 1982, Jean-Michel conoció a su ídolo Andy Warhol, lo que determinó en gran medida el destino futuro del joven artista. Algunos creen que Basquiat utilizó la fama de Warhol, y Warhol fue impulsado por la juventud y la energía creativa de Basquiat; otros ven una verdadera amistad en este extraño tándem. Sea como fuere, el conocimiento y el patrocinio de Warhol hicieron que todo Estados Unidos, y luego el mundo, hablaran de la estrella en ascenso de Basquiat. Fue considerado el mejor de un grupo de jóvenes artistas neoexpresionistas estadounidenses, que también incluía a Julian Schnabel, David Salle y otros. Las obras de Jean-Michel comenzaron a subir de precio. Basquiat trabajaba hasta 20 horas al día, a menudo sin quitarse sus costosos trajes Armani, y luego se deleitaba con los mismos trajes manchados de pintura en recepciones y fiestas. Warhol incluso estaba celoso de su productividad, diciendo que Basquiat pintaba cuadros más rápido de lo que él, Warhol, los imprimió.

Pero a Jean-Michel le atormentaba la idea de que todo el mundo se preocupaba por él no porque fuera un genio, sino porque era, ante todo, un genio negro. Se sentía como una especie de juguete para el público blanco rico y cumplió obedientemente ese papel. Su progresiva adicción a las drogas desde su época en la calle fue parte de la leyenda en la que se basó su popularidad. Existía el deseo de dejarlo todo, ir a Hawaii o Maui, abrir allí una pequeña destilería de tequila y vivir libre, lejos de la fama y todo lo que la acompaña. Y Jean-Michel incluso lo intentó una vez, dejó de consumir heroína y se mudó a Maui por un tiempo. Pero no funcionó. La muerte de Warhol en 1987 fue un duro golpe para Basquiat. Casi dejó de salir de casa, padecía paranoia, no podía trabajar y consumía cada vez más drogas. La última dosis letal se tomó el 12 de agosto de 1988. Basquiat tenía 27 años.

9. 105,5 millones de dólares. Accidente de coche plateado (doble accidente). 1963

Sería extraño que el rey del arte pop Andy Warhol (1928-1987) no figurara entre los diez autores de las obras más caras del mundo. Entonces tendríamos que admitir que la conciencia de masas y la elección de los coleccionistas son dos vasos que no se comunican de ninguna manera. Porque Warhol es quizás el artista más popular del siglo XX. Aunque Warhol no “inventó” el arte pop, fue él quien se convirtió en la cara de este movimiento. No sólo ridiculizó el culto al consumo, sino que introdujo estas ideas en el arte (aunque conservando un elemento de ironía en sus obras), creó una nueva dirección que reunió a todo un círculo de seguidores.

Durante seis años, Andy Warhol estuvo en las últimas posiciones de nuestra clasificación (había demasiados maestros de los más "pomest" y más caros), desde Rubens hasta Klimt. Por mucho tiempo mejor resultado La serigrafía de Warhol "Green Car Crash" (1963) recaudó 71,7 millones de dólares en Christie's en mayo de 2007 (estimación: entre 25 y 35 millones de dólares). Pero los tiempos están cambiando y ahora las obras maestras de los viejos maestros, impresionistas o modernistas son cada vez menos comunes en el mercado. Las transacciones clave se trasladaron al segmento del arte contemporáneo y de posguerra. El arte de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI está aumentando inexorablemente de precio, y el historial personal actual de Andy Warhol proporciona una confirmación directa de ello.

En la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Sotheby's el 13 de noviembre de 2013 (el día después de una subasta similar en Christie's, donde un tríptico de Francis Bacon se vendió por 142,4 millones de dólares), la serigrafía de Andy Warhol "Silver Car Crash (Double Crash)" marcó un hito. nuevo récord mundial para la obra del artista: 105,5 millones de dólares. Esta obra, al igual que "Green Car Crash", pertenece al gran ciclo "Muerte y desastres", en el que el artista reflejó los resultados de trágicos accidentes de tráfico.

"Silver Car Crash (Double Crash)" forma parte de un grupo de cuatro obras en dos partes de Warhol de 1963 que representan accidentes automovilísticos. Las tres obras restantes de la serie se conservan en museos, y sólo Silver Car Crash permanece en manos privadas. La obra tiene una excelente procedencia: estuvo en las colecciones de Gunter Sachs, Charles Saatchi y Thomas Ammann. La obra fue subastada en Sotheby's por un coleccionista privado europeo que la poseyó durante más de 20 años.

El artista transfirió fotografías de periódicos de accidentes de tráfico a lienzos, imprimiéndolas repetidamente mediante serigrafía con pintura reflectante plateada. La obra alcanza un tamaño de 2,4×4 metros; en una mitad hay una imagen múltiple de un coche chocando contra un árbol; la segunda parte es una superficie plateada monocromática.

Todos los componentes del éxito de una subasta son evidentes: la rareza de la obra, su importancia en el patrimonio del autor y su buena procedencia. Es difícil decir por qué Warhol es más interesante para los coleccionistas de hoy: la marca, la notoria "ironía" o algún tipo de connotaciones filosóficas, pero lo que en 1962 se podía comprar por 100 dólares (eso es lo que costaban entonces las "latas de sopa Campbell"), y en 1978, por varias decenas de miles, ahora cuesta decenas de millones.

10. 95,4 millones de dólares. Enfermero. 1964

Las obras de Roy Lichtenstein (1923-1997) son difíciles de confundir con cualquier otra cosa: su fama le llegó gracias a sus pinturas basadas en imágenes de cómics repetidas veces ampliadas. Como todos los artistas del arte pop, Lichtenstein elevó los objetos de la cultura de masas al estatus de obras de arte elevado. En lugar de sutiles transiciones de color, aparecen bloques de color puro, como recién salidos de una imprenta; en lugar de complejos retratos psicológicos: bellezas cliché de las páginas de cómics con conjunto estándar emociones. Lichtenstein incluso reprodujo la cuadrícula rasterizada a mano, aumentando o disminuyendo deliberadamente el tamaño de los puntos, llevando el contenido de la obra al punto de lo grotesco. Las imágenes de historietas sacadas de contexto suelen ir acompañadas de texto emotivo: las bellezas de Liechtenstein se ahogan, lloran, están celosas, pero la belleza y la ecuanimidad de las heroínas extremadamente idealizadas nos libera de la necesidad de simpatizar sinceramente con ellas, todo se percibe como hermosa foto- no más.

Las pinturas basadas en cómics, por cierto, están lejos de ser la única dirección en la obra de Roy Lichtenstein. La retrospectiva del artista de 2013 en la Tate Modern incluyó desnudos, esculturas, paisajes de estilo chino, abstracciones, así como su propia interpretación de las obras de Matisse, Picasso, Piet Mondrian y otros: Lichtenstein reprodujo obras maestras como la “Catedral de Rouen” de Monet o “ Naturaleza muerta con un pez dorado” de Matisse sigue teniendo el mismo estilo “cómico” con una cuadrícula rasterizada.

Los precios de las obras de Roy Lichtenstein cruzaron el umbral de las siete cifras a finales de los años 1980, pero sólo a principios de los años 2000 (después de la muerte del artista) comenzaron a rápido crecimiento mercado para sus obras, que llevó al actual récord de subasta: 95.365 millones de dólares. Así, la obra de Roy Lichtenstein cruzó por primera vez el umbral de los 5 millones de dólares en 2002; La marca de los 10 millones se fijó en 2005, y en 2012 ya se pagaron 44,9 millones de dólares por el cuadro “La muchacha durmiente”. Ese año, las obras de Roy Lichtenstein alcanzaron el mismo nivel de precios que las pinturas de Claude Monet, el arte pop comenzó a crecer. cuestan lo mismo que las obras maestras del impresionismo. Las cosas de Lichtenstein son populares entre los coleccionistas de todo el mundo: clientes de China, EE.UU., América Latina y Europa pujaron por la misma "Niña Durmiente".

A finales de 2013, según Artprice, el volumen de negocios anual de las obras de Liechtenstein ascendía a más de 140 millones de dólares (excluyendo la comisión de BP), lo que le permitió ocupar el octavo lugar en el ranking mundial en términos de volumen de ventas en subastas. Ese año, su cuadro “Mujer con sombrero y flores” (1963) se vendió en Christie's el 15 de mayo por 56,1 millones de dólares, comisión incluida. Esta es una reelaboración de uno de los retratos cubistas de Dora Maar que Picasso hizo en el estilo de arte pop característico de Lichtenstein. El disco coincidió con una gran retrospectiva del artista en la Tate.

Dos años y medio después, en la subasta “La musa del artista” de Christie’s el 9 de noviembre de 2015, el cuadro “Enfermera” (1964) se vendió por 95.365 millones de dólares, comisión incluida (estimación previa solicitud). La obra pertenece a las pinturas icónicas de Liechtenstein de principios de los años 60. La imagen de una enfermera hermosa y sexy es una de las imágenes clave de la cultura estadounidense de posguerra, junto con los valientes marineros estadounidenses. En la pintura de Lichtenstein, la encantadora rubia de labios escarlata es un ícono de la cultura de masas tanto como “Marilyn” o “Liz” en las serigrafías de Warhol. En este caso, Lichtenstein omitió el texto adjunto del cómic original, dándonos así espacio para la interpretación del estado emocional de la heroína. Se ve claramente asustada, pero ¿a qué le tiene miedo?

La enfermera se mostró en las primeras exposiciones individuales importantes de Lichtenstein en el Museo Guggenheim de Nueva York y la Neues Nationalgalerie de Berlín (ambas en 1969). La obra perteneció a la colección de uno de los primeros coleccionistas de arte pop, el excéntrico Leon Krauscher, quien, según el crítico de arte Richard Polsky, dijo una vez: “El arte pop es el arte de hoy. Todo lo demás es cosa vieja, antigüedad. ¿Renoir? No lo soporto. Cuadros para el dormitorio. Todos son iguales. Puedo decir lo mismo de todos estos expresionistas abstractos. Decoración. No hay sátira, no hay hoy, no hay diversión”.

11. 91,87 millones de dólares. Chop Suey. 1929

Edward Hopper (1882-1967) es un artista de culto para los estadounidenses que pintó pinturas de género y paisajes urbanos. Se le llama el “poeta de los espacios vacíos” por su inconfundible estilo de autor. Las pinturas de Hopper se caracterizan por una composición lacónica y geométrica, la ausencia de detalles excesivos, colores puros, grandes ventanales, largas sombras y, lo más importante, sus héroes son residentes ensimismados de una gran ciudad. Emanan soledad, incluso si están uno al lado del otro, en una habitación, en una cafetería o en un palco. La obra más famosa de Hopper es Night Owls. Iluminado brillante luz electrica En el contexto de la oscuridad cada vez más espesa de la noche, el restaurante parece un escenario de teatro, cuyos personajes (el camarero, la pareja y el hombre sentado de espaldas al espectador) están inmersos en sus pensamientos y apenas mantienen una conversación animada. . No vemos ni una sola salida del restaurante en el lienzo de más de cinco pies, lo que enfatiza aún más el sentimiento de desesperanza.

Otra dirección en la obra de Hopper fueron los paisajes, en los que casas y calles vacías actúan como personajes principales. El artista incluso inventó un nuevo género: el retrato de una casa, en el que los "modelos" reciben el nombre de los propietarios o la ubicación. La creatividad de Hopper floreció en parte durante la Gran Depresión. Una de las obras de este período, el paisaje "East Wind over Weehawken" (1934) con una calle de casas vacías puestas a la venta, fue durante mucho tiempo su obra más cara. En 2013, en una subasta de Christie's, un cuadro de la colección de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania se vendió por 40 millones de dólares (estimación: entre 22 y 28 millones de dólares).

Casi 5 años después, en la subasta de obras de pintura estadounidense de la colección del famoso coleccionista de arte nacional Barney Ebsworth, apareció una obra de culto de Edward Hopper, una de sus mejores obras en manos privadas: "Chop Suey" (1929 ). Chop Suey es un guiso de verduras, salsa de soja, carne y especias, un plato popular entre los inmigrantes chinos en Estados Unidos. Edward Hopper representó a dos chicas en la mesa de un restaurante chino donde sirven este guiso. Y aunque las chicas se juntaron y al fondo hay otra pareja sentada a la mesa, toda la obra está impregnada del característico sentimiento de soledad de "Hopper", que se crea gracias al laconismo de los interiores, los colores y las miradas. de los interlocutores, dirigidos en diferentes direcciones. La obra "Chop Suey" había sido prometida durante mucho tiempo al Museo de Arte de Seattle, pero los herederos de Barney Ebsworth decidieron lo contrario y la subastaron en Christie's con una estimación sin precedentes para este artista: entre 70 y 100 millones de dólares. El resultado fue de 85 millones de dólares. , y teniendo en cuenta la comisión de la prima del comprador: 91,875 millones de dólares. Y lo más probable es que este récord dure mucho tiempo, ya que las obras de Hopper aparecen en subastas muy raramente (solo hay 350 pinturas en su patrimonio y la mayoría de ellas se encuentran en museos), y más aún de una clase como el “Chop Suey”.

12. 90,3 millones de dólares. Retrato del artista. Piscina con dos figuras. 1972

David Hockney (1937) es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX. En 2011, según una encuesta realizada entre miles de artistas y escultores británicos profesionales, David Hockney fue elegido el artista británico más influyente de todos los tiempos. Al mismo tiempo, Hockney venció a maestros como William Turner y Francis Bacon. Su obra suele clasificarse como arte pop, aunque en sus primeras obras gravitó más hacia el expresionismo en el espíritu de Francis Bacon.

David Hockney nació y creció en Inglaterra, en el condado de Yorkshire. La madre del futuro artista mantuvo a la familia en un rigor puritano, y su padre, un simple contable que se dedicaba a dibujar como aficionado, animó a su hijo a dedicarse a la pintura. Cuando tenía veinte años, David se mudó a California, donde vivió durante un total de unas tres décadas. Todavía tiene dos talleres allí. Hockney convirtió a los héroes de sus obras en personas ricas locales, sus villas, piscinas y jardines bañados por el sol de California. Una de sus obras más famosas del período americano, el cuadro "Splash", es la imagen de un haz de salpicaduras que emerge de una piscina después de que un hombre saltara al agua. Para representar esta gavilla, que “vive” no más de dos segundos, Hockney trabajó durante dos semanas. Por cierto, este cuadro se vendió en Sotheby's en 2006 por 5,4 millones de dólares y durante algún tiempo fue considerado su obra más cara.

Hockney ya tiene más de ochenta años, pero todavía trabaja e incluso inventa nuevas técnicas artísticas utilizando innovaciones técnicas. Una vez se le ocurrió la idea de hacer enormes collages con Polaroids, imprimió sus obras en máquinas de fax y hoy el artista domina con entusiasmo el dibujo en el iPad. Las pinturas dibujadas sobre tablilla ocupan un lugar digno en sus exposiciones.

En 2005, Hockney finalmente regresó de Estados Unidos a Inglaterra. Ahora pinta grandes paisajes (a menudo compuestos por varias partes) de bosques y brezales locales al aire libre y en el estudio. Según Hockney, durante los 30 años que pasó en California, se desacostumbró tanto al simple cambio de estaciones que realmente lo fascina y fascina. Ciclos enteros de sus obras recientes están dedicados, por ejemplo, al mismo paisaje en diferentes épocas del año.

En 2018, los precios de las pinturas de Hockney superaron varias veces la marca de los 10 millones de dólares. Y el 15 de noviembre de 2018, Christie's registró un nuevo récord absoluto para la obra de un artista vivo: 90.312.500 dólares por el cuadro "Retrato de un artista (piscina con dos figuras)". Con este resultado, David Hockney no sólo encabezó el ranking de artistas vivos, sino que también se convirtió en el único autor vivo incluido en nuestro Top World Artists.

13. 87,9 millones de dólares. Retrato de Adela Bloch-Bauer II. 1912

En rigor, Retrato de Adele Bloch-Bauer II (1912) no es la obra más cara que se conoce de Gustav Klimt. Poco antes de esta subasta récord, tuvo lugar otra: privada, cerrada y, por lo tanto, sus resultados no se pueden utilizar para calificaciones. Pero el resultado en sí es conocido, o mejor dicho, no refutado: otra imagen de la misma dama, el "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" de 1907, fue adquirida por mediación de Christie's en el verano de 2006 por el magnate del perfume Ronald Lauder para 135 millones de dólares En aquel momento, esta cantidad era la mayor jamás pagada por una sola obra de arte (luego superada por un acuerdo privado con una obra de Jackson Pollock, comprada por 160 millones de dólares). Formalmente, el lote de subasta más caro de Klimt siguió siendo el "Retrato de Adele Bloch-Bauer II" de 1912, que se vendió en Christie's el 8 de noviembre de 2006 por 87,9 millones de dólares a un coleccionista que quiso permanecer en el anonimato. Se vendieron tres cuadros más de Klimt por un total de 103,4 millones de dólares.

Las obras de Klimt rara vez aparecen en una subasta y, de repente, se exhiben cuatro lienzos a la vez, e incluso con calidad de museo. ¿Dónde? En realidad son del museo. Salieron a subasta al final de una larga disputa por la restitución. Tanto los retratos como otras pinturas de Klimt se encontraban en Austria, en la familia de un rico fabricante de azúcar judío, Ferdinand Bloch-Bauer y su esposa Adele. Adele, de 43 años, murió de meningitis en 1925 y legó las pinturas al gobierno austriaco tras la muerte de su marido. En 1938, Alemania anexó Austria; El propio Ferdinand Bloch-Bauer logró esconderse en Suiza y sus pinturas, incluidas varias obras de Klimt, fueron confiscadas, tras lo cual algunas fueron enviadas a la galería austriaca Belvedere y otras vendidas. Ya en Suiza, Ferdinand Bloch-Bauer reescribió su testamento en favor de los hijos de su hermano. Sólo María (de su marido Altman), que ya tenía 90 años, ha sobrevivido hasta el día de hoy. Dejó Austria hacia los Estados Unidos en 1942. La disputa por los bienes confiscados se prolonga desde el año 2000. El gobierno austriaco apeló a un testamento y los herederos a otro. Como resultado, el tribunal de arbitraje austriaco apoyó la posición corte suprema Estados Unidos y decidió devolver cinco obras de Klimt a los herederos, encabezados por Maria Altman.

Esta decisión no fue fácil y conmocionó a los austriacos. En 2006, incluso hubo informes de que el gobierno había pedido a los ciudadanos que recompraran las pinturas para preservar el tesoro nacional en el país. En aquel momento, los expertos estimaron el coste de cinco lienzos (incluido el retrato adquirido posteriormente por Lauder) en nada menos que 245 millones de dólares. Incluso se planeó emitir una emisión de bonos para recaudar la cantidad necesaria. Cuando la idea fracasó, Belvedere (incluso bajo la presión de una amenaza anónima de destruir las pinturas para que no llegaran a manos de los herederos), fuera de peligro, se vio obligado a retirar los lienzos de la exposición.

Gustav Klimt (Gustav Klimt, 1862-1918) es un innovador reconocido, el fundador de la Secesión de Viena (una institución que abandonó el academicismo en la creatividad), un artista que más de una vez sorprendió al público en su época ya no puritana. Con el nombre de Klimt persisten rumores misteriosos de que mujeres desnudas, incluidas damas de los círculos aristocráticos, caminaban por el jardín del artista, inspirándolo. Klimt tuvo una gran demanda durante su vida. Encarnando las ideas del simbolismo nacional, logró el reconocimiento de las autoridades oficiales y en 1883 el emperador Francisco José I incluso le otorgó el principal premio imperial al alcance de un artista austriaco: la Orden Dorada al Mérito. Tampoco pasó desapercibido el favor de los clientes privados más influyentes y ricos. El carácter decorativo, la sofisticación y el erotismo de las obras de Klimt las convirtieron en una decoración deseable para los interiores de las casas más lujosas de principios del siglo XX. Y hay que decir que con el tiempo poco ha cambiado en este empeño.

La venta por parte de los herederos de las obras de Klimt de la colección de Ferdinand Bloch-Bauer es un caso único en el que aparecieron en el mercado objetos de escala global, de "museo" en el sentido literal de la palabra. Esto sucede probablemente una vez cada pocas décadas, razón por la cual hay tanto en juego.

14. 86,9 millones de dólares. Naranja, rojo, amarillo. 1961

Uno de los artistas más misteriosos de nuestro tiempo. El camino de su vida parece estar tejido de contradicciones: en búsquedas creativas, en acciones, en gestos... Considerado uno de los ideólogos y, por supuesto, una figura clave del expresionismo abstracto americano, Rothko no pudo soportar que sus obras fueran tituladas. abstracto. Habiendo sabido en el pasado lo que era vivir al día, en una ocasión devolvió desafiantemente a sus clientes un anticipo absolutamente fantástico en términos de dinero de hoy, dejándose con un trabajo casi completamente terminado. Después de haber estado esperando su éxito y la oportunidad de ganarse la vida con la pintura durante casi cincuenta años, rechazó más de una vez a personas que, si quisieran, podrían destruir su carrera. Como mínimo, un socialista de corazón, que compartía las ideas de Marx y era hostil a los ricos y la riqueza, Rothko finalmente se convirtió en el autor de las pinturas más caras del mundo, que en realidad se convirtieron en un atributo del alto estatus de sus dueños. (No es broma, el "Centro Blanco", que batió récords y se vendió por 65 millones de dólares, procedía de la familia Rockefeller). Soñando con el reconocimiento del público masivo, finalmente se convirtió en el creador de pinturas que todavía son realmente comprensibles sólo para un círculo. de intelectuales y conocedores. Finalmente, el artista, que buscaba una conversación con Dios a través de la música de sus lienzos, el artista cuyas obras se convirtieron en el elemento central en el diseño de la iglesia de todas las religiones, terminó su vida con un acto completamente desesperado de lucha contra Dios. ..

A Rothko, que recordaba la Zona de Colonización y los cosacos, le habría sorprendido que también estuvieran orgullosos de él como artista ruso. Sin embargo, en los años 30 en Estados Unidos reinaba mucho antisemitismo; no fue casualidad que el artista “truncara” el apellido familiar Rotkovich. Pero por algo lo llamamos ruso. Para empezar, en función del hecho del nacimiento. La Dvinsk letona, la actual Daugavpils, en la época del nacimiento de Marcus Rotkovich, forma parte de Rusia y lo seguirá siendo hasta el colapso del imperio, hasta 1918. Es cierto que Rothko ya no verá la revolución. En 1913, el niño fue llevado a los Estados Unidos y la familia se mudó a Portland, Oregon. Es decir, pasé mi infancia y adolescencia en Rusia, donde se formaron mi percepción y perspectiva de vida. Además del hecho de que nació aquí, Rothko está asociado con Rusia, observamos, tanto por temas ideológicos como por conflictos. Se sabe que apreciaba las obras de Dostoievski. E incluso los vicios a los que se entregó Rothko están, por alguna razón, asociados en el mundo con los rusos. Por alguna razón, en Occidente la depresión se denomina “enfermedad rusa”. Lo cual no es un argumento, por supuesto, sino un toque más a la integridad del carácter del artista ruso.

Rothko tardó 15 largos años en hacer descubrimientos innovadores en la pintura. Habiendo pasado por muchas aficiones figurativas, incluido el surrealismo y el expresionismo figurativo, a mediados de la década de 1940 simplificó enormemente la estructura de sus pinturas, limitando los medios de expresión a unos pocos bloques de colores que forman la composición. La base intelectual de su obra es casi siempre una cuestión de interpretación. Rothko no solía dar respuestas directas, contando con la participación del espectador en la comprensión de la obra. Lo único con lo que definitivamente contaba era con el trabajo emocional del espectador. Sus cuadros no son para el descanso, ni para la relajación, ni para el “masaje visual”. Están diseñados para la empatía. Algunos los ven como ventanas que permiten mirar dentro del alma del espectador, mientras que otros los ven como puertas a otro mundo. Existe la opinión (quizás la más cercana a la verdad) de que sus campos de color son imágenes metafóricas de Dios.

El poder decorativo de los “campos de color” se explica por una serie de técnicas especiales utilizadas por Rothko. Sus pinturas no toleran marcos masivos, como máximo bordes finos del color del lienzo. El artista tiñó deliberadamente los bordes de las pinturas en un degradado para que el campo pictórico perdiera sus límites. Los límites difusos de los cuadrados interiores son también una técnica, una forma sin contraste de crear el efecto de temblor, la aparente superposición de bloques de colores, la pulsación de puntos, como el parpadeo de la luz de las lámparas eléctricas. Esta suave disolución del color dentro del color se logró particularmente en óleo, hasta que Rothko pasó al acrílico opaco a finales de los años sesenta. Y el efecto encontrado de la pulsación eléctrica se intensifica si miras las pinturas de cerca. Según el plan del artista, lo óptimo para el espectador es ver lienzos de tres metros desde una distancia de no más de medio metro.

Hoy en día, las pinturas de Rothko son el orgullo de cualquier museo famoso de arte moderno. Así, en la Tate Gallery inglesa hay una sala Rothko, en la que viven nueve cuadros de los que fueron pintados bajo contrato con el restaurante Four Seasons. Hay una historia relacionada con este proyecto que es bastante indicativa del carácter de Rothko. En 1959, el artista fue contactado por recomendación de los propietarios del moderno restaurante "Seasons", que abrió sus puertas en el inusual rascacielos neoyorquino Seagram Building (que lleva el nombre de la empresa que producía el alcohol). El importe del contrato en dinero actual era de casi 3 millones de dólares, un importe muy importante incluso para un artista consagrado y reconocido como lo era Rothko en aquella época. Sin embargo, cuando el trabajo estaba casi terminado, Rothko devolvió inesperadamente el anticipo y se negó a entregárselo al cliente. Entre las principales razones del acto repentino, los biógrafos consideraron la falta de voluntad para complacer a la clase dominante y entretener a los ricos en la cena. También se cree que Rothko se molestó cuando supo que sus cuadros no serían vistos por los empleados comunes que trabajaban en el edificio. Sin embargo, la última versión parece demasiado romántica.

Casi diez años después, Rothko donó algunos de los lienzos preparados para el Four Seasons a la Tate Gallery de Londres. En una amarga ironía del destino, el 25 de febrero de 1970, día en que las cajas con cuadros llegaron al puerto inglés, el artista fue encontrado muerto en su estudio, con las venas cortadas y (aparentemente como garantía) una enorme dosis de somníferos en su estómago.

Hoy, la obra de Rothko está experimentando otra ola de sincero interés. Se realizan seminarios, se inauguran exposiciones, se publican monografías. A orillas del Daugava, en la tierra natal del artista, se erigió un monumento.

Cada año, se ofrecen aproximadamente entre 10 y 15 piezas en subastas sólo de pinturas de Rothko, sin contar los gráficos. Pagan millones y decenas de millones de dólares por ellos. Y estos precios no son una casualidad, sino más bien un homenaje a su innovación, al deseo de abrir nuevas capas de significado y unirse al fenómeno creativo de uno de los artistas rusos más misteriosos.

El 8 de mayo de 2012, en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's, el cuadro "Naranja, rojo, amarillo" de 1961 se vendió por 86,88 millones de dólares (incluido el encargo). La obra proviene de la colección del mecenas de arte de Pensilvania, David Pincus. David y su esposa Gerry compraron la obra, que medía 2,4 × 2,1 metros, en la Galería Marlborough y luego la prestaron al Museo de Arte de Filadelfia durante un largo tiempo. La pintura "Naranja, rojo, amarillo" se convirtió no solo en la obra más cara de un artista de origen ruso, sino también en la obra de arte contemporáneo y de posguerra más cara vendida en una subasta abierta.

15. 85,81 millones de dólares. Composición suprematista. 1916

Kazimir Severinovich Malevich (1878-1935) es sin duda uno de los cinco revolucionarios del arte más destacados del siglo XX a escala mundial. Filósofo, innovador, desarrollador de nuevos enfoques teóricos, ideólogo del suprematismo, que se ha convertido en el sello distintivo de Rusia en el ámbito artístico internacional. Las obras de Malevich son el orgullo de los mejores museos del mundo y la quimera de muchos coleccionistas.

La culminación de la investigación de Malevich se puede llamar la obra "Cuadrado Negro" de 1915 (la Galería Tretyakov alberga una de las cuatro versiones que se conservan). Algo de gran significado metafórico: el final del cuadro, el final de la pintura, el punto de partida, la exigencia para el desarrollo de un proyecto de futuro. Supremus, tal como lo concibió el creador, es la etapa más alta de la vanguardia, capaz de permitirse el laconismo geométrico de los medios expresivos. En los años veinte, Malevich amplió su sistema filosófico a áreas aplicadas: el suprematismo formó la base del diseño y la arquitectura avanzados. Malevich también se realizó como maestro, descubriendo talento en sus numerosos alumnos, que permanecieron devotos de sus ideas incluso en condiciones de persecución. La historia del arte incluye períodos de su trabajo en UNOVIS (“Asociación de Proponentes del Arte Nuevo”, Vitebsk - Petrogrado (Leningrado), 1919-1922), en Ginkhuk ( Instituto Estatal cultura artística, 1923).

El final de la década de 1920 estuvo marcado por un período de represión contra los promotores de las ideas de la vanguardia artística. En esencia, la “escuela Malevich” fue disuelta y el propio Malevich fue arrestado. En 1927, el artista logró ocultar algunas de sus obras en Berlín durante un viaje de negocios al extranjero y, se cree, salvó así sus ideas de la prohibición y el olvido. Malevich murió en 1935. Y sus mejores obras estuvieron enterradas en los almacenes de los museos soviéticos durante décadas. Solo era posible verlos conociéndolos en el entorno del museo. Sin embargo, gracias a los esfuerzos de especialistas y coleccionistas dedicados (por ejemplo, George Costakis), se podría decir que la información sobre las ideas de Malevich se difundió clandestinamente en los círculos de la intelectualidad soviética e influyó en el lenguaje artístico de los representantes del arte no oficial, los artistas de los años sesenta.

La obra más cara de Kazimir Malevich que se subasta desde hace casi 10 años es “Composición suprematista” de 1916. La primera aparición de esta obra en subasta pública se produjo el 3 de noviembre de 2008. Literalmente, seis meses antes, en abril de 2008, los herederos de Malevich devolvieron la “Composición Suprematista” mediante restitución. Además, no fueron devueltos de ningún lugar, sino de la colección del Museo Stedelijk de Ámsterdam. El museo tuvo que renunciar entonces a cinco obras de Malevich de su colección, a pesar de que en 1958 el Stedelijk las compró legalmente al arquitecto Hugo Haring. Solo Hugo Haring no tenía derecho a venderlas: Malevich le dejó estas obras para su almacenamiento temporal, pero nunca tuvo tiempo de recogerlas. En general, una obra maestra con procedencia de cristal, recién llegada al mercado, obtuvo un récord de 60 millones de dólares en una subasta el 3 de noviembre de 2008. Entre los posibles compradores de la obra de Malevich se encontraban Roman Abramovich o el marchante de arte nacido en Siria David Nahmad. Quienquiera que fuera este misterioso propietario, casi diez años después, tras esperar la pausa necesaria en estos casos, se proponía revender su Malevich. En AI asumimos que una obra tan importante costaría definitivamente más de 100 millones de dólares, y que nuestro Kazimir Malevich se uniría al “club” de artistas cuyas obras se venden por sumas de nueve cifras. Pero hemos sobrestimado un poco el interés por Malevich entre los coleccionistas del segmento superior. El precio final de remate en la subasta del 15 de mayo de 2018 fue de 85,81 millones de dólares. Con este resultado, Malevich se mantuvo en el segundo lugar en el ranking de artistas del círculo artístico ruso y por primera vez entró en el ranking de artistas mundiales.

16. 84,69 millones de dólares. Nenúfares en flor. DE ACUERDO. 1914-1917

Si le piden que nombre a los artistas impresionistas más famosos, el nombre de Claude Monet (1840-1926) probablemente será uno de los primeros en aparecer. Fue la pintura de Claude Monet la que dio nombre a todo este movimiento artístico. En abril de 1874, tras ver el cuadro de Monet “Impresión. Sol naciente" (en francés: "Impression, soleil levant"), el crítico Louis Leroy del periódico Le Charivari escribió: "El papel pintado, incluso éste habría parecido más completo que este "Impression!" Su opinión fue compartida por la mayoría de los críticos de la época: "Impresión" de Monet se convirtió en un nombre común negativo para todo este estilo incomprensible, en el que las pinturas parecían bocetos descuidados e inacabados en lugar de obras terminadas.

Pero Monet y sus amigos impresionistas no hicieron caso a las críticas y continuaron pintando sus cuadros de “impresiones”, en los que el estado fugaz de la naturaleza, el aire, las nubes en el cielo y el resplandor del sol eran más importantes que la representación de todos los detalles. . La familia Monet (y el artista se casó con su modelo Camille Doncieux, lo que no agradó a los padres de Claude) vivió en la pobreza durante muchos años: a menudo no había suficiente dinero no solo para pintar, sino incluso para el pan. Monet, a riesgo de quedarse sin hogar debido a deudas de alquiler, tuvo que pedir regularmente un préstamo a amigos: el escritor Emile Zola, Édouard Manet, etc. Fue de gran ayuda conocer al marchante Paul Durand-Ruel, gracias a quien, según Monet Según recuerdo, él y muchos de sus amigos no murieron de hambre en ese momento.

Claude Monet logró el reconocimiento sólo después de los cuarenta, y vivió una larga vida, 86 años, habiendo sobrevivido a sus dos esposas (Camille murió de tuberculosis y 13 años después el artista se casó con Alice Hosched) y a su hijo mayor, Jean. En su decadencia, Monet comenzó a perder rápidamente la vista debido a las cataratas, pero aún así continuó pintando paisajes alrededor de su casa en Giverny: el jardín, el ahora famoso estanque con un puente y nenúfares. A los 72 años, su ojo izquierdo veía sólo el 10% de lo normal y su ojo derecho sólo podía discernir la luz. A los 83 años decidió pasar por el quirófano, a raíz de lo cual su ojo derecho empezó a ver todo de un color azul violeta. Incapaz de ver el mundo así, Monet siguió trabajando más de memoria. Y fue en los últimos años de su vida cuando Monet, prácticamente ciego, creó lo que más tarde se llamaría la Capilla Sixtina del Impresionismo: ocho enormes paneles de "Nenúfares", ahora almacenados en la sala ovalada del Museo de la Orangerie.

Ha corrido mucha agua bajo el puente desde aquellas primeras exposiciones impresionistas, a las que el público acudía más para regodearse que para admirar. Hoy en día, el impresionismo se ha convertido en uno de los estilos más populares entre el público en general. La retrospectiva del mismo Monet en el Grand Palais de París en 2011 fue visitada por 920 mil personas. Los amantes del arte estaban dispuestos a hacer cola durante tres horas en el frío para contemplar doscientos cuadros de Monet. Y durante los últimos tres días de exposición, el museo estuvo abierto las 24 horas y 40 mil visitantes pasaron por sus salas. Ejemplos más recientes incluyen una exposición de obras de la colección de Sergei Shchukin en la Fundación Louis Vuitton, que se convirtió en la exposición más visitada de 2017. La exposición (que debido a su enorme popularidad tuvo que ampliarse dos semanas más) fue visitada en total por más de 1,2 millones de personas.

Si hablamos de dinero, que mide el amor por el impresionismo entre quienes pueden permitírselo, entonces la respuesta es simple: grande. Para Claude Monet, el récord en ocho años fue de 80,55 millones de dólares, pagados en el pico del mercado del arte, en junio de 2008, por su obra de finales de 1919 "Estanque con nenúfares". En 2016, este récord se batió con la venta de un lienzo de la serie de libros de texto con pajares en Giverny, capturados en diferentes momentos del día y en diferentes estaciones. La pintura "Haystack" (1890-1891) en una subasta el 16 de noviembre de 2016 se vendió por 81,45 millones de dólares, incluida la prima del comprador.

En mayo de 2018 llegó el momento de alcanzar otro récord: en la subasta de Christie's se vendió el lienzo “Nenúfares en flor”, pintado entre 1914 y 1917 en Giverny, por 84,687 millones de dólares. La obra de la colección del difunto David se exhibió. Rockefeller, el mismo que sobrevivió a seis y se sometió a siete trasplantes de corazón y murió a la edad de 101 años. Según el testamento de Rockefeller, se prometió gastar el dinero de la venta de la colección en obras de caridad. Según testigos presenciales, la oferta final fue aceptada por teléfono por un empleado de Christie's que trabaja con clientes de Asia. Así que parece que estos “Nenúfares” de Monet colgarán en algún lugar de la mansión o museo privado de un multimillonario chino.

17. 84,2 millones de dólares, Barnett Newman. Fuego negro I. 1961

El récord de Black Fire I de Barnett Newman fue una completa sorpresa en la subasta de Christie's el 13 de mayo de 2014. Es decir, no el hecho del récord en sí, sino la cantidad a la que lograron llegar los contendientes en la batalla de apuestas. La anterior obra más cara de este artista abstracto, “Onement VI”, costó 43,8 millones de dólares (Sotheby's, 14 de mayo de 2013; estimación entre 30 y 40 millones de dólares), es decir, el nuevo récord fue casi el doble. Por cierto, la estimación de “Black Fire” no fue revelada, por lo que no sabemos con mayor precisión cuánto se superó. Una cosa está clara: las abstracciones de Newman en el mercado del arte han alcanzado el mismo nivel de precios que las obras de su colaborador más cercano en el grupo de artistas llamado “pintura de campo de color”, Mark Rothko.

Newman pertenece a la primera generación de expresionistas abstractos estadounidenses, que estuvieron en el origen de una gran cantidad de nuevos movimientos. Artistas como Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still o Jackson Pollock son las raíces del árbol ramificado del arte estadounidense de posguerra, y significan para los estadounidenses lo que Malevich y Kandinsky significan para nosotros. Probablemente por eso compran sus obras por esa cantidad de dinero. No será sorprendente que en un par de años los resultados correspondientes de Pollock o Still aparezcan en esta clasificación: será suficiente para subastar su obra maestra del nivel correspondiente.

Barnett (Barney) Newman nació en 1905 en Nueva York en el seno de una familia de judíos polacos que emigraron del Imperio ruso a principios del siglo XX (si se hubieran quedado un poco más, habríamos tenido otro artista en la órbita de El arte ruso hoy). Barney estudió pintura desde los dieciocho años (en la Art Student League de Nueva York con Duncan Smith, Harry Vicki y John Sloan), pero destruyó toda su obra en los primeros cuarenta años de su vida, incluidas obras de los años treinta, cuando Newman compartió estudio con Adolf Gottlieb. En la década de 1930, Newman se hizo amigo de Marcus Rothkovich (quien más tarde se convirtió en Mark Rothko), y juntos tomaron clases de pintura y poesía con el modernista Milton Avery. En una etapa temprana, Barnett estuvo más interesado en las actividades sociales y periodísticas: se nominó a sí mismo para el cargo de alcalde de Nueva York, junto con su amigo Alexander Borodulin compuso un manifiesto "Sobre la necesidad de iniciativas políticas por parte de la gente de art” e incluso publicó el primer y único número de la revista “Response”, que se centra en los derechos de servidores públicos como profesores, conserjes o bomberos.

Al mismo tiempo, Newman intentó más de una vez aprobar el examen para obtener un permiso permanente para enseñar pintura, pero todos los intentos fracasaron. Todo esto dio lugar a la exposición reivindicativa “¿Podemos dibujar? La junta examinadora dice: ¡No!” (“¿Podemos dibujar? ¡La comisión examinadora dice que no!”), donde se recogieron los trabajos rechazados por la comisión. La exposición causó revuelo en la prensa y a Newman se le permitió volver a realizar el examen, pero nuevamente sin éxito. En general, las relaciones con representantes del arte oficial se desarrollaron con distintos grados de éxito. En 1943, Newman, junto con Rothko y Gottlieb, compuso una respuesta a las críticas del New York Times a una exposición de modernistas estadounidenses. Las “creencias estéticas” del trío se reducían a lo siguiente: “No hay buenas imágenes de nada. Creemos que el tema juega un papel clave y que sólo la esencia es poderosa, es trágica y eterna."

Unos años más tarde, alrededor de 1947-1948, Newman, como él mismo creía, había alcanzado la madurez creativa. El artista desarrolló su propio estilo reconocible: campos planos a gran escala de color puro, separados por finas franjas verticales (las llamó "cremalleras", "relámpagos"). Estas “cremalleras” determinan la estructura espacial del lienzo; al mismo tiempo dividen y unen la composición. Sus obras frías y estrictas, pero en su propia emotiva, parecen engañosamente simples. Los críticos han llamado las pinturas de Newman de diversas formas: tanto "declaraciones filosóficas sin habilidad artística" como "pintura pura sin tema". El propio Barnett Newman insistió en el contenido profundo de sus obras. Los llamó por los nombres de personajes bíblicos o, por ejemplo, por el concepto ficticio de "Onement" (según los historiadores del arte, el nombre de la serie "Onement" proviene de la palabra "Atonement" - "redención") y quería que puedan ser observados exclusivamente desde una distancia cercana.

La obra más cara de Newman, Black Fire I, fue escrita en 1961, al mismo tiempo que se creaba su famosa serie Estaciones de la Cruz, en la que apareció por primera vez una estricta paleta en blanco y negro. Pero a diferencia de obras anteriores del Vía Crucis, en Fuego Negro el campo negro parece invadir el territorio del campo blanco, lo domina. Justo en ese momento, el hermano menor de Newman, George, murió inesperadamente. La pintura ayudó al artista a lidiar con la amargura de la pérdida; expresó sus emociones en el lenguaje de la abstracción.

18. 82,5 millones de dólares. Retrato del doctor Gachet. 1890

Durante mucho tiempo, de 1990 a 2004, la palma en el ranking de autores de las obras de arte más caras según los resultados de las subastas perteneció al postimpresionista Vincent van Gogh (1853-1890). El "Retrato del doctor Gachet", pintado por el artista poco antes de su muerte, fue adquirido por el millonario japonés Reei Saito en Sotheby's en mayo de 1990 por 82,5 millones de dólares.

La historia de la imagen en sí resultó ser similar a una historia de detectives. En 1896, el retrato fue vendido por la esposa del hermano del artista, Theo van Gogh, a un famoso marchante de arte, tras lo cual pasó de mano en mano durante mucho tiempo. El siguiente mensaje significativo al respecto se remonta a finales de la década de 1930, cuando la pintura terminó en el Museo de Frankfurt, pero ya en 1938, después de la exposición "Arte degenerado" en Munich, los nazis "adquirieron" la pintura, pero pronto la revendieron. a la colección Kramarsky. Luego, el cuadro acabó en Estados Unidos, donde sus nuevos propietarios emigraron desde Holanda para escapar de los nazis. Tras su muerte, los herederos decidieron vender el retrato y subastarlo en Nueva York en 1990. La pintura fue comprada por la cantidad anterior por un millonario japonés, el magnate Reei Saito, quien, según los rumores, legó para ser enterrado con la obra maestra. Después de la muerte de Saito en 1996, la ubicación exacta del "Retrato del Doctor Gachet" fue desconocida durante mucho tiempo, lo que dio lugar a muchas especulaciones.

El caso es que Saito, en un ataque de ira provocado por el hecho de que en Japón tiene que pagar impuestos muy altos (unos 24 millones de dólares al año), dijo que los cuadros irían a la tumba con él. Los herederos del millonario se negaron a hablar sobre el destino de la obra maestra, confirmando así suposiciones decepcionantes. Sin embargo, uno de los líderes de la casa de subastas de Tokio, Kionori Yamamoto, arrojó algo de luz sobre el destino del cuadro, quien dijo que el cuadro se vendió en los Estados Unidos a un "precio razonable": de 87 a 130 millones de dólares. El nombre del nuevo propietario no fue revelado. Un poco más tarde, se informó que la pintura pasó todo este tiempo en la caja fuerte de un banco japonés, el prestamista de Saito, pero el banco deliberadamente guardó silencio para que su nombre no se asociara con las quiebras del prestatario. Sea como fuere, hasta ahora en todas las publicaciones serias sobre Van Gogh, incluidos los catálogos, “Retrato del doctor Gachet” va acompañado de la nota “Paradero desconocido”.

Por un lado, la historia del cuadro está envuelta en muchos secretos, incluso locos: es casi imposible suponer que una persona en su sano juicio, como última voluntad, pueda expresar el deseo de llevarse el cuadro de Van Gogh. con él a la tumba. Al mismo tiempo, está muy en el espíritu del propio artista. O, más precisamente, nuestra idea del mismo. Después de todo, parte de la leyenda sobre Van Gogh es su locura, que le permitió mirar hacia profundidades inaccesibles para los simples mortales. En realidad, por eso es de tanto interés el “Retrato del doctor Gachet”, un médico tratante de una clínica para enfermos mentales. Sin embargo, en relación a este médico, el propio Van Gogh pronunció una frase misteriosa: “En primer lugar, él está mucho menos sano que yo, o al menos tan enfermo”.

Por otra parte, el ocultamiento ubicación real una obra maestra puede tener una explicación completamente prosaica. Si el retrato existe realmente, es posible que su actual propietario, sea quien sea, tema que se repita la historia de la restitución de los cuadros de Klimt. En 1937, los secuaces de Goering en el Instituto Stadel de Frankfurt confiscaron el "Retrato del Dr. Gachet". Entonces, si aparece ahora, en el contexto de precedentes con pinturas de Klimt y Malevich, es poco probable que el legítimo propietario renuncie a sus derechos.

101 años antes de la venta sin precedentes del Retrato del Dr. Gachet, Vincent escribió proféticamente a su hermano Theo: “La práctica en el comercio del arte de aumentar los precios después de la muerte del artista continúa hasta el día de hoy... Los precios más altos Las obras reportadas y pagadas por artistas ya fallecidos no habrían aumentado tanto durante su vida; es algo así como el comercio de tulipanes, cuando un artista vivo tiene más desventajas que ventajas”.

19. 80,75 millones de dólares. Odalisca reclinada con magnolias. 1923

Henri Matisse (1869-1954), el fundador de un movimiento artístico como el "fauvismo" (del francés fauve - salvaje), fue empujado al arte, por extraño que parezca, por la apendicitis. A la edad de 19 años, un joven abogado, un prometedor graduado de la Escuela de Ciencias Jurídicas de París, Henri Émile Benoit Matisse, sufrió un ataque de apendicitis. Después de la operación, tuvo que pasar dos meses en una cama de hospital, y la madre del joven, queriendo entretener a su hijo en recuperación, le compró material de dibujo. Con el tiempo, Henri se interesó tanto en volver a dibujar postales en color que, a pesar de las protestas de su padre, un exitoso comerciante de cereales, abandonó la abogacía y se dedicó a estudiar para convertirse en artista.

Después de 15 años de búsqueda creativa, pasando por la pasión por el impresionismo y el puntillismo, Matisse, junto con sus amigos André Derain, Maurice de Vlaminck y otros, eligió el color puro como su principal medio de expresión. Las formas en sus pinturas se simplificaron y aplanaron, el modelado de luces y sombras dio paso a un choque contrastante de bloques de colores locales. El modelo bien podría haber sido representado con una nariz verde, si hubiera sido más expresivo. “No pinto mujeres; Pinto cuadros”, declaró Matisse. El crítico Louis Vaucelle, al ver las pinturas de este grupo de artistas en el Salón de Otoño de 1905, las llamó “salvajes” (les fauves en francés). El nombre “Fauves” se adhirió al movimiento, aunque los propios miembros del grupo nunca lo reconocieron.

El grupo fauvista se disolvió unos años más tarde y Matisse siguió adelante con su manera creativa, que incluyó una fugaz apelación al cubismo (bajo la influencia de las obras de su amigo Picasso), y una fascinación por la ornamentación y Oriente en general (después de viajar a Argelia y Marruecos), y un intento por la litografía y la escultura, y un experiencia en pintura monumental (¿cuáles son los paneles “Danza” y “Música”, escritos para la mansión de Sergei Shchukin en 1909), etc., etc. El talento multifacético de Matisse fue apreciado durante su vida; sus exposiciones se realizaron en todo el mundo y sus obras se vendieron bien. Hoy Henri Matisse es uno de los artistas más caros. Excepto que casi todas sus mejores obras ya se encuentran en museos.

Y así, el 8 de mayo de 2018, se presentó en la subasta nocturna de Christie's la "Odalisca reclinada con magnolias" ("Odalisca Couchée aux magnolias") de 1923. Esta obra pertenece a la famosa serie de pinturas con sensuales odaliscas, creadas por Matisse bajo la influencia de la atmósfera relajante del sur de Francia, donde el artista se mudó en 1916. “Odalisca reclinada con magnolias” fue comprada en el Salón de Otoño por los marchantes Matisse Josset y Gaston Bernheim-Jeune el mismo año en que fue pintada. En 1956, la obra fue comprada por el magnate y coleccionista del acero de Chicago Leigh B. Block, y solo un par de años después, David Rockefeller compró Matisse a Block. Desde entonces, la pintura, como el buen vino, ha sido “envejecida” en una colección, adquiriendo el aura de una obra maestra medio olvidada deseada por el mercado del arte.

Como era de esperar, "Odalisca reclinada con magnolias" estableció un nuevo récord de precio para las obras del artista. Christie's lo promocionó como uno de mejores trabajos Matisse alguna vez ofreció en una subasta. Se rumoreaba que el precio de la pintura rondaba los 70 millones de dólares. La principal lucha por el lote tuvo lugar entre el jefe del departamento de arte contemporáneo y de posguerra de Christie, Loïc Guzier, y el jefe de la división de Asia de Christie, Xin Li. La oferta final fue de Xin Li (lo que significa que el comprador probablemente era un coleccionista asiático): 71,5 millones de dólares, y teniendo en cuenta la comisión, un récord de 80,75 millones de dólares. El récord anterior fue superado en más de 30 millones de dólares: pertenecía al. relieve escultórico "Desnudo de espaldas IV" de 1930, vendido en 2010 por 48,8 millones de dólares, comisión incluida.

20. 78,1 millones de dólares. Molino de la Galette. 1876

En los últimos años se ha definido más o menos el círculo de amantes del arte que realizan transacciones abiertas a precios fabulosos, y cada aproximación y, sobre todo, fuga del nivel de subasta de 100 millones de dólares invita a analistas y periodistas a elegir quién de entre un grupo no demasiado grande lista podría crear la siguiente sensación.

En 1990, no había otra opción, pero solo había una persona: el mismo millonario Reei Saito. Un día (!) después de comprar el “Retrato del doctor Gachet” de Van Gogh por 82,5 millones de dólares, el 17 de mayo de 1990, ya en Sotheby’s, el excéntrico japonés compró un cuadro de Auguste Renoir (1841-1919) “Moulin de la Galette” Por 78,1 millones de dólares, sumas tan importantes pagadas por una sola persona por las pinturas se convirtieron en una verdadera sensación en el mundo de las antigüedades (¡quién se sorprendería hoy con esto!) y fortalecieron la posición de los impresionistas y postimpresionistas como “blue chips”. del mercado del arte.

En el catálogo de la subasta y en los comunicados de prensa que precedieron a la subasta, Sotheby's definió el cuadro “Moulin de la Galette” (Moulin de la Galette, 1876) como “la obra de mayor calidad de Renoir que aparece en el mercado por primera vez para compradores potenciales”. reaccionó y el cuadro salió subastado por una suma enorme.

También es de destacar que, aunque este cuadro pertenece a la categoría de libros de texto de la obra de Renoir, tras la muerte del artista sólo se mostró al público una vez, en una exposición en el Museo Metropolitano de Arte en 1937. Mientras tanto, el cuadro fue pintado durante el período en que, después de la escandalosa exposición de los impresionistas en 1874 en el estudio de Nadar, el éxito y el reconocimiento llegaron a Renoir, y su estilo finalmente tomó forma. Vendida en subasta en 1990, la obra es la repetición por parte del autor del famoso “Moulin de la Galette” del mismo año, conservado en el Museo de Orsay de París. El humor alegre y jubiloso del lienzo, impregnado luz del sol El amor y la diversión sin preocupaciones se convirtieron en la tarjeta de presentación del artista.

Además de la obviamente alta calidad de la pintura, así como el famoso nombre del autor, lo que le da a esta pintura de Renoir un valor especial (ni siquiera monetario, cultural en general) es que puede considerarse una especie de manifiesto del impresionismo. - junto con los famosos cuadros “Impresión. Amanecer de Claude Monet y Almuerzo sobre la hierba de Edouard Manet. Aquí está todo lo que valora a los impresionistas: un tema tomado del natural (Renoir encontró el tema del cuadro cerca de su casa, en Montmartre, en la calle Cortot, en el restaurante Moulin de la Galette), y plein air (pintar una escena de la vida, y no en el taller, el artista tuvo que sacar el gran lienzo al jardín, donde la luz, jugando, atravesaba el follaje de las acacias, sembrando el suelo y las ropas de las bailarinas de azul y reflejos rosados). Además, el artista no solo transmitió de manera precisa y vívida la atmósfera del salón de baile de Montmartre de la década de 1870, donde los dependientes de tiendas, costureras, jóvenes artistas, escritores y actrices se reunían para bailar los fines de semana, sino que también representó en el cuadro a sus amigos, destacados representantes de la entonces bohemia parisina: el artista español Don Pedro Vidal de Solares, los pintores Henri Gervais y Frederic Corday, así como el periodista Paul Lot. En general, si un determinado coleccionista se propusiera representar en su colección todas las tendencias principales de la pintura, entonces el "Moulin de la Galette" de Renoir se convertiría legítimamente en un reflejo ideal de la esencia del impresionismo.

La compra de este cuadro por 78,1 millones de dólares en aquel momento resultó ser una empresa muy infructuosa. Pronto estalló una crisis y el precio de las obras de los impresionistas bajó casi un veinte por ciento. El auge regresó sólo unos años después. No se sabe con certeza qué pasó con el cuadro tras la muerte del coleccionista japonés; no hay datos sobre subastas abiertas, pero, según rumores no confirmados, el cuadro de la colección de Saito se vendió en 1998 por 50 millones a un comprador cuyo el nombre no fue revelado. Sin embargo, los datos de las subastas no pueden compararse directamente con los importes de transacciones privadas no anunciadas.

21. 76,7 millones de dólares. Masacre de inocentes. DE ACUERDO. 1609-1611

Entre los líderes de las subastas, representados en su totalidad por impresionistas, postimpresionistas y modernistas, apareció inesperadamente uno de los principales "viejos maestros": el famoso flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640). En julio de 2002, su cuadro "La masacre de los inocentes" se vendió en Sotheby's por 76,7 millones de dólares.

Es muy inusual que alto precio Fue precisamente el lienzo sobre una compleja trama evangélica lo que logró: parecería que, por ejemplo, "Bacchanalia" con bellezas rollizas debería haber sido más popular. Pero no. Una de las tramas más crueles del Nuevo Testamento es la ejecución por parte de soldados de la monstruosa orden del rey Herodes.

Probablemente por esta razón los organizadores de la subasta estimaron cautelosamente la pintura en 6 millones de libras esterlinas. Sin embargo, estalló una seria lucha entre cuatro compradores en la subasta. La pintura finalmente fue comprada por un comerciante de manuscritos de Londres que actuó en nombre de un comprador anónimo. Como se supo más tarde, el verdadero comprador fue el coleccionista canadiense David Thomson, hijo del magnate de los periódicos Lord Thomson, antiguo propietario del Times de Londres.

Quizás la razón de tan fuerte revuelo fue el nivel de museo del lienzo; no en vano, representantes de varios museos, incluido el Museo Getty de Los Ángeles, lucharon por él en una subasta. También influyó un descubrimiento inesperado realizado por el experto en pintura flamenca de la casa de subastas, George Gordon. El hecho es que hasta hace poco la pintura se atribuía a uno de los alumnos de Rubens, pero George Gordon, después de haber estudiado las similitudes entre "La masacre de los inocentes" y el famoso cuadro de Rubens "Sansón y Dalila" de la colección del National National de Londres. Gallery, sugirió que la autoría no pertenecía al alumno, sino al profesor. Aunque los principales expertos e investigadores de las pinturas de Rubens confirmaron la conclusión del experto británico, los representantes de la casa de subastas, obviamente, hasta hace poco no estaban seguros de haber recibido una verdadera obra maestra del maestro, que podría decorar, sin exagerar, cualquier colección de museo. .

22. 71 millones de dólares. Una chica exquisita (Retrato de Nancy Cunard). Concepto 1928. Fundición 1932

Un hijo de campesino pobre que llegó a pie desde Rumania a París, donde estaba destinado a convertirse en un pionero de la escultura moderna de vanguardia: así se puede imaginar en pocas palabras a uno de los más grandes escultores del siglo XX, Constantin Brancusi ( en París empezó a llamarse Brancusi a la manera francesa). Constantin Brancusi (1876-1957), que llegó a París en 1904 y vivió en esta ciudad la mayor parte de su vida, nunca se avergonzó de su origen simple, sino que, por el contrario, se enorgulleció de él y apoyó la leyenda sobre sí mismo en cada manera posible: vistió ropas tradicionales de los campesinos rumanos incluso para las recepciones oficiales, y convirtió su taller en las afueras de Montparnasse en una apariencia de casa rumana con muebles tallados a mano y una chimenea en la que frió carne con una aguja de tejer de hierro esculpida.

El talento del escultor despertó en Constantina mientras trabajaba como mensajero en la ciudad rumana de Craiova. En su tiempo libre, Brancusi se dedicaba a tallar figuras de madera y un día, según cuenta la leyenda, hizo un violín con materiales de desecho, lo que impresionó tanto al industrial local que lo envió a estudiar a la Escuela de Arte de Craiova. Luego, el talentoso campesino estudió en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest, y en París trabajó durante muy poco tiempo en el taller de Rodin, de donde salió con las palabras "Nada crecerá a la sombra de los grandes árboles". Pero incluso esta breve experiencia de trabajo con Rodin ciertamente influyó en el desarrollo de Brancusi como escultor: una de sus primeras obras importantes se llamó, por analogía con la obra maestra de Rodin, "El beso" (1907-1908). Sólo que este fue un “Beso” completamente diferente: Brâncuşi se alejó del realismo hacia formas simplificadas y geometrizadas; figuras de enamorados, talladas en una sola pieza de piedra, casi cuadradas, con dibujos esquemáticos de cabellos, ojos, labios.

Mucha gente comienza la historia de la escultura abstracta moderna con “El beso” de Brancusi. Aunque el propio autor nunca consideró abstractas sus obras. Llevando a la perfección sus formas favoritas de piedra, mármol, bronce, madera (Brâncuşi volvió una y otra vez a sus series “El beso”, “La cabeza de la musa”, “Pájaro en el espacio”, “Columna sin fin”, etc.) , el escultor no buscó mostrar literalmente apariencia un objeto o una persona, un animal, sino para transmitir su idea, su esencia interior. A través de formas pulidas, Brâncuşi quería expresar una cierta naturaleza fundamental y oculta de las cosas. Las obras del escultor rumano son una asombrosa fusión de arte antiguo y arcaico, impregnado de mitos y leyendas, con ideas de vanguardia contemporáneas del autor.

La escultura más cara hasta la fecha de Constantin Brâncuşi es la “Niña exquisita (Retrato de Nancy Cunard)” de bronce (concebida en 1928; fundida en 1932). En la subasta nocturna de impresionistas y modernistas del 15 de mayo de 2018, esta obra se compró por 71 millones de dólares, comisión incluida. Nancy Cunard es escritora, activista política y una de las musas favoritas de artistas, poetas y escritores de la década de 1920, entre ellos Tristan Tzaru, Ernest Hemingway, Man Ray, Louis Aragon, James Joyce y otros. Nancy Cunard conoció a Constantin Brancusi y visitó su casa. taller, pero nunca posó específicamente para él. Supo que Brancusi creó la escultura que lleva su nombre muchos años después. La primera versión de la obra, titulada "La jeune fille sophistiquée (Retrato de Nancy Cunard)", fue realizada en madera por Brâncuși entre 1925 y 1927. En 1928 decidió realizar un retrato de Nancy Cunard en bronce. En 1932, el propio Brancusi lo moldeó en un molde de yeso en un solo ejemplar y lo pulió cuidadosamente. En formas generalizadas y semiabstractas, el escultor representó la cabeza de Nancy sobre un cuello delgado con el cabello recogido en la parte posterior de la cabeza en un moño de forma compleja. Quizás la forma del peinado se refiere al estilo de Cunard de rizar sus mechones alrededor de su cara. En una escultura, que combina líneas rectas y curvas femeninas, formas suaves y al mismo tiempo quebradas y retorcidas, Brâncuşi quiso transmitir la belleza contradictoria de una de las principales musas de los locos años veinte. Y el genio rumano ciertamente lo logró.

23. Cy Twombly, 70,5 millones de dólares. Sin título (Nueva York). 1968

El artista estadounidense Cy Twombly (1928-2011) entró en nuestro ranking de los autores de las obras de arte más caras del mundo con el récord de su obra “Sin título (Nueva York)” de 1968. En la subasta vespertina de arte contemporáneo y de posguerra de Sotheby's el 11 de noviembre de 2015, esta pintura, parte de la serie de los llamados "tableros" de Twombly, se vendió por 70,53 millones de dólares, comisión incluida.

Cy Twombly es reconocido en todo el mundo, participó muchas veces en la Bienal de Venecia y creó una pintura en el techo de una de las salas del Louvre. Al mismo tiempo, sigue siendo uno de los representantes más difíciles de entender del expresionismo abstracto americano. Como escribió el curador Kirk Varnedou con motivo de la inauguración de la retrospectiva de Twombly en el MoMA en 1994: “Twombly, una enorme influencia para muchos artistas, se ha convertido en una verdadera manzana de discordia para los críticos. Es increíblemente difícil de entender, y no sólo para el público en general: Twombly resultó ser ajeno incluso a los padres fundadores del arte intelectual de posguerra”. ¿Qué podemos decir de los no especialistas, que en su mayoría están perplejos: sí, mi hijo sabe dibujar mejor? El artículo de Varnedou mencionado anteriormente se titulaba: “Por qué su hijo no puede hacerlo: reflexiones sobre la obra de Cy Twombly”.

Los expertos en Twombly escriben que la profundidad total de sus creaciones sólo se puede alcanzar a través del conocimiento personal de ellas, y cuando se reproduce, se pierde por completo. Todo está formado por una gran cantidad de pequeños detalles: arañazos, abrasiones, gotas, pasajes de poesía italiana y clásica escritos a lápiz. En 1957 Twombly se mudó a vivir al sur de Italia, de ahí su pasión por la historia y la poesía de la Europa antigua y medieval. Las obras de Twombly también contienen referencias al arte primitivo, las obras de Da Vinci, los readymades de Marcel Duchamp y las obras de los futuristas italianos que comprendieron la mitología a través de los principios de la abstracción.

Lejos de la bulliciosa escena artística de Nueva York, nació un artista único, que obtuvo reconocimiento relativamente tarde (en comparación, por ejemplo, con sus amigos Robert Rauschenberg y Jasper Johns). Sin embargo, a Twombly esto le importó poco: toda su vida evitó a los periodistas y no prestó atención a los críticos de arte, muchos de los cuales cuestionaban el valor de sus obras. Mientras tanto, Twombly experimentó con el estilo de pintura; por ejemplo, intentó pintar en la oscuridad para que el dibujo fuera menos obvio y claro.

¿Qué tiene de especial la misma obra “Sin título (Nueva York)” que está valorada en más de 70 millones de dólares? Cuando miras por primera vez esta y otras piezas similares de Twombly, a menudo te viene a la mente la comparación con una pizarra dibujada en una pizarra escolar. Las obras de esta serie se denominan “tableros”. Sin embargo, este “tablero” fue pintado con pintura y crayones de cera sobre lienzo. Según los historiadores del arte, en sus “tableros” Twombly intentó transmitir una sensación de tiempo y movimiento en la superficie pictórica. Estas líneas blancas dibujadas rápidamente pueden considerarse un fenómeno natural y no una creación de la mano humana. El artista señaló que para él lo más importante es “vivir” cada línea, cada trazo. “Lo importante en una pintura no es la imagen ni la ilustración, sino el sentimiento directo de su creación y encarnación que se transmite en ella”, dijo Twombly y añadió: “Cuando termino otra pintura, suelo pasar un par de días en cama para recuperarme”. Tal fue la implicación del artista en el proceso de creación de la obra. Y los “tableros” de Cy Twombly también expresaban el componente americano de su naturaleza. Aunque el primer “tablero” fue pintado en Roma, Twombly luego regresó a Nueva York para pasar varios años; los “tableros” grises, casi monocromáticos, eran más adecuados para la ciudad de los rascacielos que para la soleada Italia. Bueno, tal vez sea muy difícil para alguien que no sea neoyorquino entender qué tienen de especial estas misteriosas obras sin título de Cy Twombly.

24. 70,06 millones de dólares. Contraste de formas. 1913

En la subasta de Christie's del 13 de noviembre de 2017, el cuadro “Contraste de formas” de Fernand Léger (1881-1955), subastado por primera vez en público, alcanzó un récord para el artista de 70.062.500 dólares, incluyendo la comisión de la casa de subastas. . El récord anterior para las obras de Léger, 39.241.000 dólares, se mantenía desde 2012. El cuadro “Contraste de formas” fue subastado por la Fundación Anna Maria y Stephen Kellen. La Fundación se comprometió a donar el producto de la venta a organizaciones benéficas.

El cuadro “Contraste de formas” (1913), que estableció un récord en una subasta, pertenece al conjunto de obras del artista pintadas a principios de la década de 1910 en París. En ese momento, Léger ya había experimentado su fascinación juvenil por el impresionismo, a partir de 1909 pintó en el estilo de moda del cubismo, gravitó hacia la abstracción pura y expuso activamente en el Salón de Otoño y el Salón de los Independientes. Pero la Primera Guerra Mundial, que comenzó pronto, arrancó al artista durante dos años de la atmósfera creativa de París y lo arrojó a las trincheras cerca de Argonne y Verdún. Después del gaseo, Léger fue dado de baja del ejército en 1917 y volvió a la creatividad. Después de sus experiencias en la guerra, uno de los temas importantes de su obra fue el tema de la lucha por la paz. Pero aún más a menudo, las pinturas de Fernand Léger comenzaron a glorificar la realidad urbana creada por el hombre. El estilo reconocible de las obras figurativas de Léger se llamó irónicamente "tubismo", por el predominio de formas tubulares en la composición.

Por cierto, no sorprende que el récord del artista francés Fernand Léger se haya subastado en Nueva York. Leger, a diferencia de muchos de sus colegas europeos, amaba Estados Unidos y lo visitaba con frecuencia, y de 1940 a 1945 vivió constantemente en Estados Unidos. El ritmo frenético de vida en las grandes ciudades estadounidenses, la pasión de los estadounidenses por la innovación tecnológica y su amor por la vida tuvieron una gran influencia en Léger. El artista amaba especialmente Nueva York y llamó a esta ciudad "una obra de arte arquitectónico". Los estadounidenses correspondieron. Durante su vida, el trabajo del artista fue popular entre los magnates estadounidenses, que a menudo le encargaban la creación de obras monumentales. En particular, Léger decoró los apartamentos neoyorquinos de Nelson A. Rockefeller y también creó el enorme mural "Divers" en Long Island.

25. 68,9 millones de dólares. La mujer como paisaje. 1954-1955

Willem de Kooning es uno de los principales representantes del expresionismo abstracto, el mayor artista y escultor de la posguerra. Nacido en 1904 en Rotterdam, a los 22 años partió hacia América. Durante muchos años se dedicó a la decoración de apartamentos, escaparates, carpintería, etc., y sólo tenía tiempo libre para pintar. Sin embargo, durante estos años, De Kooning conoció a muchos representantes de la vibrante comunidad artística de Nueva York. La comunicación con Arshile Gorky influyó mucho en el futuro gran pintor abstracto. A finales de los años 30 y principios de los 40, el estilo de Willem de Kooning (añadió la partícula “de” a su apellido en 1937) ya había tomado forma y los expertos comenzaron a hablar con entusiasmo sobre sus abstracciones. En 1950, De Kooning, Arshile Gorky y Jackson Pollock ya representaron al MoMA en la Bienal de Venecia. Pero el público entonces no entendió ni aceptó su obra.

En 1953, Willem de Kooning presentó una serie de cinco lienzos gigantes de mujeres pintados en un estilo empastado, casi abstracto. En estas cinco pinturas famosas, la figura femenina se transforma en un derroche de color, contenido únicamente en el marco del cuadro. A partir de líneas negras nítidas, manchas doradas y plateadas, se forman una cabeza, un cuello y un torso, cortados en pedazos en un caos claramente controlado. La mujer en los lienzos de De Kooning se convierte en una especie de símbolo, un “tótem” al que el artista “sirve” durante casi toda su carrera creativa.

Willem de Kooning (o mejor dicho, sus obras) obtuvo un gran éxito comercial durante su vida. En 1989 (era la época del auge del arte), la abstracción de dos metros “Mixture” de De Kooning se vendió en Sotheby's por 20,7 millones de dólares, algo impensable en aquella época para un artista moderno. Es cierto que al autor de la obra apenas le importaba. esto: a En ese momento, la progresiva enfermedad de Alzheimer hizo que el artista no sólo no pudiera trabajar, sino incluso administrar su propiedad, sobre lo cual se emitió el correspondiente veredicto judicial. Y, sin embargo, durante los últimos ocho años de su vida, Willem de Kooning. Fue considerado oficialmente el autor de la obra más cara de un artista vivo.

Las obras del artista abstracto siguieron subiendo de precio después de su muerte en 1997. Además, algunas transacciones absolutamente fabulosas con las obras de Willem de Kooning se llevaron a cabo de forma privada y no mediante subastas. Inicialmente intentamos incluir en todas nuestras calificaciones únicamente los resultados de las plataformas comerciales abiertas, ya que los consideramos un reflejo más realista de la situación del mercado del arte. Las transacciones privadas son más susceptibles a la influencia de factores subjetivos: quién compra qué, qué comerciantes realizan la transacción y en función de qué se fija el precio. A veces, un millonario no se arrepiente de pagar de más dos o tres veces sólo para conseguir lo que desea. En una subasta, la estimación suele estar más cerca de la realidad, pero si aparecen varios solicitantes ansiosos por el trabajo, entonces podemos esperar un exceso significativo de la estimación. Sin embargo, el mejor resultado de subasta de Willem de Kooning hasta ahora no se puede comparar con sus ventas privadas.

Hablamos, en primer lugar, de la famosa venta privada del cuadro “Mujer III” del año 1953. Esta obra de la famosa serie “Mujeres” de Willem de Kooning pertenece a la colección del Museo de Arte Moderno de Teherán desde los años 1970. Pero la revolución islámica que tuvo lugar en el país hizo imposible que una obra tan secular siguiera existiendo allí. Como resultado, en 1994, “Mujer III” fue vendida y llevada fuera de Irán. Llegó al coleccionista estadounidense David Geffen, quien a su vez la revendió en 2006 en una transacción privada a Steven Cohen por la increíble suma de 137,5 millones de dólares. En aquel momento fue la obra de arte más cara del mundo. Ni Picasso, ni Klimt, sino un expresionista abstracto americano de la segunda mitad del siglo XX. En este sentido, sólo Jackson Pollock puede compararse con De Kooning, cuyas abstracciones, o "gotas", se compraron en transacciones privadas por el mismo dinero (unos meses después, en el mismo 2006, se vendió la obra de Pollock "No. 5" en una transacción privada por $140 millones).

En 2016, de Kooning y Pollock volvieron a actuar juntos. Expertos del mercado informaron que en febrero de 2016, en una transacción privada, el multimillonario Ken Griffin compró “Mixture” de Willem de Kooning por 300 millones de dólares (la misma que se vendió por 20,7 millones de dólares en 1989) y la abstracción “Número 17A” de Jackson Pollock por 200 millones de dólares. Esta es una de las ofertas de arte más grandes del mundo. El precio actual de Blending (300 millones de dólares) sitúa esta obra de De Kooning a la par de Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, de 1892, vendida en una transacción privada a finales de 2014 por el mismo precio. cantidad. Así, si tenemos en cuenta no sólo los resultados de las subastas, sino también la información sobre transacciones privadas, las pinturas de Willem de Kooning se encuentran entre las obras de arte más caras del mundo.

Pero la clasificación en nuestra calificación se basa en los resultados de las subastas y, según estos indicadores, Willem de Kooning todavía está muy por detrás de líderes como Picasso o Giacometti. Es más, la razón de la subasta para incluirlo entre los mejores artistas del mundo apareció recién a finales de 2016. La abstracción "Sin título XXV" de 1977 se vendió por 66,3 millones de dólares en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's el 15 de noviembre de 2016. Dos años más tarde, en la subasta de arte estadounidense de la colección de Barney Ebsworth el 13 de noviembre de 2018, Willem El cuadro "La mujer como paisaje" de Kooning, de 1954-1955, superó el récord anterior. El precio de remate de esta obra, que pertenece al eminente coleccionista de arte estadounidense Barney Ebsworth desde 1997, fue de 68,9 millones de dólares. Este es el récord actual en subasta de De Kooning. Veamos qué pasa después.

26. 65,2 millones de dólares. Junio ​​- octubre de 1985. 1985

El artista abstracto Zhao Wuji (Zao Woi-Ki, 1921-2013) puede ser considerado igualmente un artista tanto por los chinos como por los franceses. Nacido en Beijing, aprendió las técnicas de la pintura tradicional china en el Instituto de Bellas Artes de Hangzhou (donde Zhao Wuji ingresó a los 14 años), y luego, siguiendo el consejo de su maestro, partió con su familia a Francia. a París, donde se instaló en Montparnasse y pronto entró en el círculo modernistas, entre ellos Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Alberto Giacometti y otros. En busca de su propio estilo, el artista pasó del arte chino a las influencias occidentales, y luego volvió a recordar sus raíces y comenzó a utilizar técnicas tradicionales de pintura china con pincel y tinta en sus abstracciones. La síntesis de los movimientos orientales y occidentales finalmente dio como resultado enormes pinturas abstractas, a las que, a partir de 1959, Zhao Wuji dejó de nombrar. Simplemente puse las fechas de escritura en el título para que el espectador no se viera limitado por las inevitables asociaciones de títulos específicos, sino que pudiera buscar significado en las obras mismas.

Es interesante que el éxito le llegó a Zhao Wuji durante su vida, no sólo en Occidente, donde la pasión por el arte abstracto tiene una larga historia, sino también en Asia, donde tuvieron lugar sus exposiciones y aparecieron clientes adinerados. Para uno de ellos, el arquitecto del complejo de edificios Raffles City en Singapur, Zhao Wuji, pintó un enorme tríptico “Junio-octubre de 1985” de 10 metros de largo y 2,8 metros de alto. Este tríptico decora el vestíbulo del edificio principal de Raffles City. El 30 de septiembre de 2018, en la subasta de Sotheby's en Hong Kong, el tríptico "Junio ​​- Octubre de 1985" se vendió por un valor estimado de 45 millones de dólares y por 65,2 dólares, comisión incluida. Este es un récord para trabajo chino, pintado al óleo sobre lienzo, en lugar de utilizar técnicas tradicionales.

27. 60,5 millones de dólares. Pañuelos, jarra y compotera. DE ACUERDO. 1893–1894

La presencia de Paul Cézanne (1839-1906) en la lista es una especie de homenaje a los descubrimientos y búsquedas del artista, que sentó las bases del cubismo y de otros movimientos del siglo XX. Es de destacar que este clásico y tan típico de la pintura de Cézanne, “Cortinas, jarra y cuenco de compota”, fue adquirido en una subasta por una cantidad récord. Este bodegón forma parte de una serie de seis obras que representan los mismos objetos. La pintura se vendió en Sotheby's en 1999 por 60,5 millones de dólares.

Esta obra reveló todos los rasgos más llamativos del estilo del artista: el deseo de reducir todos los objetos a formas geométricas- cilindro, bola y cono, claridad de color, forma monumental. Si los impresionistas intentaron capturar las características cambiantes de la naturaleza, Cézanne creó "pinturas para museos", que transmiten la parte inquebrantable de la naturaleza. Logró combinar varios puntos de vista sobre objetos en una imagen, combinando las técnicas de perspectiva directa e inversa, que prepararon la transición al cubismo. Pintó sus naturalezas muertas durante mucho tiempo, examinando cuidadosamente las imágenes. Los descubrimientos de Cézanne dieron lugar a todo un ejército de seguidores ideológicos, los "cezannenistas", que compartieron y desarrollaron las ideas del artista. Su influencia en el arte mundial de principios de siglo y, por supuesto, en el arte ruso (recordemos "La sota de diamantes") es difícil de sobreestimar.

Yulia Maksimova, AI
Vladimir Bogdanov, AI
María Onuchina, AI
Anna Savitskaya, AI

Las páginas de Internet en el popular navegador Chrome no siempre se abren lo suficientemente rápido. Y cuando hay muchas ventanas abiertas, el trabajo de otras aplicaciones se ralentiza. Los expertos del sitio han reunido varias recomendaciones para solucionar el problema tanto en una PC de escritorio como en una tableta o un teléfono inteligente.

1. Deshabilitar extensiones

Verifique si tiene demasiadas extensiones instaladas: si Chrome se usa durante el tiempo suficiente, puede llenarse de complementos innecesarios y no utilizados. Elimínelos o desactívelos; esto puede resolver el problema.

Cómo hacerlo: Seleccione Herramientas > Extensiones o ingrese chrome://extensiones en la barra de direcciones; no necesita ingresar la dirección completa, la función de autocompletar funcionará. Ahora ve a la lista de extensiones y deja solo aquellas de las que realmente no puedes prescindir. Desactive el resto: cuanto más, mejor. ¿Estás seguro de que ya no necesitarás el complemento? Haga clic en el icono de la papelera para eliminarlo por completo.

Elimina las actualizaciones innecesarias y deja solo las más necesarias.

2. Instale las últimas actualizaciones

Chrome debería actualizarse automáticamente, pero si no has cerrado el navegador ni reiniciado tu computadora durante semanas, existe la posibilidad de que así sea. versión antigua. Por lo general, basta con reiniciar el PC.

Cómo hacerlo: Para asegurarse de que realmente está utilizando la última versión, haga clic en el ícono de tres puntos a la derecha esquina superior ventana del navegador y seleccione Ayuda > Acerca de Google Chrome; se descargará e instalará la última versión.

En su teléfono o tableta, vaya a su tienda de aplicaciones, vaya a la sección Actualizaciones y asegúrese de que Chrome esté realmente actualizado.

3. Cerrar pestañas innecesarias

Google actualiza Chrome periódicamente para mejorar el rendimiento y optimizar el uso de la memoria. Pero recuerda que la RAM no es infinita. Abre muchas pestañas al mismo tiempo - la manera correcta deje el ordenador en coma, ya que la memoria pronto se llenará.

Cómo hacerlo: Simplemente cierre las pestañas innecesarias y deje las que necesita; esta es quizás la solución más sencilla cuando Chrome funciona con lentitud.

Simplemente borrar su historial de navegación puede resolver el problema.

4. Borrar historial

Puede parecer como agarrarse a un clavo ardiendo, pero simplemente borrar el historial de navegación puede resolver el problema. Chrome descarga y almacena una gran cantidad de datos, incluidas imágenes, cookies y más.

Cómo hacerlo: Para eliminarlos, vaya a Configuración y seleccione Borrar historial de navegación, o desplácese hacia abajo hasta la sección Avanzado, haga clic en la flecha y desplácese hacia abajo hasta que vea este comando en la lista.

Para los amantes de los métodos abreviados de teclado: presione Ctrl+Shift+Suprimir cuando Chrome sea la ventana activa. Verá una advertencia que dice que después de eliminar el historial, algunos sitios pueden cargarse más lentamente porque no se guarda nada en el caché y la información deberá descargarse nuevamente de Internet. Eliminar cookies también significa que tendrás que introducir nombres de usuario y contraseñas manualmente. ¡Asegúrate de recordarlos!

En tu teléfono o tableta, ve a sección cromada Configuración y seleccione Privacidad > Avanzado > Borrar datos de navegación.

5. Reinstale Chrome

A veces la única manera de restaurar la productividad es eliminación completa Chrome para deshacerse de toda la basura que ha creado desde que estuvo en su computadora o para solucionar un problema que hace que otros consejos no funcionen.

Cómo hacerlo: En Windows, abra el Panel de control (Configuración en Windows 10), busque Chrome en la lista Agregar o quitar programas y desinstale el navegador.

Si reinstalas Chrome, usa un navegador diferente para ir a chrome.google.com y descargar la última versión desde allí. O descargue este archivo con anticipación, antes de desinstalar Chrome.

En su teléfono o tableta, busque el ícono de Chrome, tóquelo y, en iOS, mantenga presionado el dedo hasta que aparezca el ícono "x". En Android, arrastre el ícono de Chrome a la Papelera o a la sección Desinstalar que aparece cuando mantiene presionado. Para reinstalar, simplemente busque en la tienda de aplicaciones y haga clic en el botón Instalar.

Prueba a cambiar de navegador

Hmm, no se trata realmente de acelerar Chrome... pero al final, si todo lo demás falla, ¿por qué no probar Yandex, Firefox u Opera?

Si de repente, el popular y querido navegador Google Chrome comenzó a funcionar notablemente más lento y a congelarse, entonces no debes eliminarlo y reinstalarlo; puedes acelerar su trabajo de otras maneras, usando métodos simples que todos pueden manejar;

Actualización del navegador

El primer paso es actualizar su navegador. Hay dos formas de hacer esto. En el primero, debes ingresar al menú seleccionando “Ayuda” y luego “Acerca del navegador Google Chrome”. Se abrirá una página que verifica automáticamente si está instalada la última versión de Google Chrome; de ​​lo contrario, deberá actualizar. Si falla por algún error, puedes actualizar tu navegador de otra forma.

Si aparece un error en la pantalla, la segunda y obvia forma es descargar nueva versión desde el sitio web oficial, que instalará y actualizará el navegador a la última versión.

Eliminar extensiones innecesarias

Con el tiempo, un navegador puede tener muchas extensiones, algunas de ellas fueron útiles una o dos veces, y hay otras sin las cuales no podemos imaginar navegar por Internet. En cualquier caso conviene eliminarlos y quedar sólo los necesarios.

En el menú debes seleccionar " Herramientas adicionales" y luego "Extensiones". Mostrará una página donde podrá encontrar todas las extensiones instaladas en el navegador. También puedes llegar a este lugar pegando el enlace chrome://extensiones en la barra de direcciones de tu navegador.

Si hay algo que no necesita, entonces debe hacer clic en el botón "Eliminar" en la parte inferior debajo de la extensión, confirmando su intención; dicha ventana aparece más cerca del borde superior derecho.

Comprobación del uso de recursos de los elementos del navegador.

Después de eliminar cosas innecesarias, vale la pena comprobar qué extensión (y no solo) consume una gran cantidad de recursos del procesador o RAM. Puede comprobarlo utilizando el "Administrador de tareas", que está disponible en Google Chrome. Para abrirlo, seleccione "Más herramientas" en el menú, luego "Administrador de tareas" (o presione Shift + Esc al mismo tiempo).

En la ventana que aparece, puede, por ejemplo, hacer clic en la pestaña "consumo de memoria" para comprobar qué está consumiendo la mayor parte de la RAM, y luego en "Procesador" para comprobar si alguna extensión está consumiendo demasiados recursos del procesador.

Eliminación de malware

El motivo de la ralentización del navegador también puede deberse a varios tipos de extensiones maliciosas y otro software que puede estar oculto en el sistema. Google le permite escanear unidades en busca de malware utilizando su navegador. Para hacer esto, simplemente seleccione "Configuración" en el menú, luego, después de que aparezca la página de configuración en la parte inferior, seleccione "Avanzado" y también en la parte inferior de la página "Restablecer configuración y eliminar malware", donde debe seleccionar el Opción "Eliminar malware de su computadora" (también disponible directamente desde chrome://settings/cleanup). Después de hacer clic en "Buscar" y esperar a que aparezcan los resultados.

Borrar datos de navegación

Con el tiempo, cuanto más utilizamos el navegador, más datos se almacenan, como cookies, imágenes en la memoria caché, y el historial de páginas visitadas también crece significativamente. A veces vale la pena borrar todo, lo que en algunos casos acelerará significativamente todo el navegador. Para hacer esto, simplemente seleccione Más herramientas y Borrar datos de navegación en el menú (o escriba chrome://settings/clearBrowserData). En la ventana que aparece, marque las tres barras y marque el rango de tiempo "Desde el inicio", luego haga clic en "Borrar datos".

Carga rápida de páginas, captación previa

Para acelerar la carga de la página, puede utilizar la opción de precarga de la página. Este parámetro permitirá al navegador preparar páginas a las que podremos acceder desde el portal que estamos visualizando. Esto acelera significativamente la carga de subpáginas si seguimos enlaces dentro de este portal.

Para habilitar esta opción, vaya al menú y seleccione "Configuración". Luego expanda el subelemento "Avanzado" y luego "Privacidad y seguridad" (o vaya a la página chrome://configuración/privacidad). En la lista de opciones disponibles, seleccione "Usar información sobre herramientas para acelerar la carga de la página".

Deshabilitar la actividad del navegador en segundo plano

Si no necesita que el navegador funcione en segundo plano, puede desactivarlo opción innecesaria. De manera similar a lo descrito anteriormente, debe ingresar al menú, seleccionar "Configuración", luego "Avanzado" y luego "Sistema". Desmarca la casilla de verificación "Mantener los servicios en segundo plano ejecutándose cuando cierras el navegador".

Cierra mapas y ventanas más rápido

Los mapas y las ventanas se cerrarán más rápido si cambias una de las opciones adicionales, que están ocultos a miradas no deseadas. Estos parámetros están ocultos porque no están en el menú ni en la configuración, aquí debe ingresar chrome://flags en la barra de direcciones.

Al estar casi en el centro de Google Chrome, es posible realizar algunos cambios que afectan su rendimiento. Uno de ellos será el cierre más rápido de tarjetas y ventanas. Esto se puede lograr cambiando una determinada configuración.

para encontrar parámetro requerido, en el campo de búsqueda en la página de parámetros adicionales debe ingresar "Pestaña rápida", aparecerá la opción "Cerrar ventana/pestaña rápida". Allí debe cambiar la configuración de "Desactivado" a "Activado" y reiniciar el navegador.

Número de hilos que muestran gráficos rasterizados

Muchas páginas vistas tienen gráficos rasterizados. Aumentar los hilos que admiten este tipo de gráficos dará como resultado tiempos de carga más rápidos. Para hacer esto, vaya a chrome://flags y busque "Número de ráster". En la opción encontrada llamada “Número de subprocesos ráster”, seleccione su valor y cámbielo al más alto, es decir, 4. Este cambio entrará en vigor después de reiniciar el navegador.

Habilitando el protocolo QUIC

El protocolo QUIC es, en pocas palabras, un intento de reducir la latencia entre el servidor y el navegador. Puede habilitar esta opción para ver su efecto positivo. En la configuración de chrome://flags, busque “protocolo QUIC”, el nombre completo “protocolo QUIC experimental”, cambie a “Activado” y reinicie el navegador.

Caché simple para HTTP

Un caché desordenado puede ser una de las razones para ralentizar el navegador, por lo que una de las primeras formas de acelerarlo fue borrar las cookies, etc. Aquí también puedes habilitar el llamado caché simple, que es la inclusión de un nuevo tecnología avanzada para el caché para que los archivos estén en un orden específico. Vaya a chrome://flags y busque "caché simple". Y cambie "Caché simple para HTTP" a "Habilitado".

Carga diferida

La carga diferida, carga solo lo que está visible en la pantalla, sin cargar ni renderizar la página completa, lo que debería tener un efecto positivo en la duración de la batería de la computadora portátil y una carga más rápida de la página. Para habilitar esta opción, regrese a chrome://flags, ingrese "lazy" en la búsqueda y busque "Habilitar carga de cuadros diferidos" y cámbielo a "Habilitado".

Desactivación automática de tarjetas

Al revisar docenas de tarjetas, a veces sucede que queda poca RAM y abrir tarjetas posteriores ocupa la memoria restante. La solución es borrar automáticamente las tarjetas de la memoria para liberar un par de megabytes. Luego de volver a ingresar la tarjeta, se recargarán los datos.

Para habilitar esta opción, ingrese chrome://flags y luego en barra de búsqueda"descartar". Después de que aparezca la opción "Descarte automático de pestañas", cambie su valor de "Desactivado" a "Activado" y reinicie el navegador.

Actualización automática solo del mapa activo

Si desea forzar a Google Chrome a cambiar la actualización automática de páginas después de una pérdida de conexión solo para mapas activos, solo necesita cambiar una configuración. Ingrese chrome://flags nuevamente y busque "solo automático". Cambie "Solo recargar automáticamente pestañas visibles" a "Activado".

Aquí, en principio, puede acelerar el navegador Google Chrome de formas no tan complicadas.

Puedes sobrevivir a cualquier cosa: un dólar por 30 jrivnia, la pérdida de tu equipo de fútbol favorito e incluso otra transferencia de GTA V para PC. Pero hay que reconocer que el lento funcionamiento del tan querido por todos Google Chrome ya es demasiado. Si logras prepararte un café mientras se inicia el navegador, si tienes que ver un vídeo en 480p en lugar de 1080p y ya no tienes fuerzas para luchar contra "algo salió mal", nuestro artículo de hoy es justo lo que el médico ordenado. Analizamos los motivos de los “frenos”, ¡nos deshacemos de ellos y hacemos la vida un poco mejor!

La primera razón por la que Google Chrome es lento, que se encuentra en la superficie, son las extensiones. Varios complementos no sólo simplifican el proceso de búsqueda de gatos información necesaria, pero también afectan la velocidad del navegador (y no de forma muy positiva). Vale la pena recordar que cada uno de estos miniprogramas instalados está separado en un proceso separado que "consume" RAM. No estoy diciendo que necesites eliminar todas las extensiones, solo necesitas mirar (Menú - Configuración - Extensiones) cuáles usas todo el tiempo y desactivar el resto. Por ejemplo, siempre lo necesito para no perderme una carta importante, pero algunos, en el mejor de los casos, pueden resultar útiles una vez al mes, por lo que puedes desmarcar la casilla al lado. Personalmente, de 11 complementos instalados, sólo 3 están constantemente activos.

Puede averiguar qué complementos ocupan más RAM en el administrador de tareas de Google Chrome (Menú - Configuración avanzada - Administrador de tareas). Si alguien necesita 200 MB de RAM, quizás sea mejor deshacerse de ellos y obtener más a cambio trabajo rapido? Por lo tanto, te aconsejo que revises la lista de tus extensiones y dejes habilitadas solo las más necesarias, y el resto puedes deshabilitarlas o, si te animas, eliminarlas.

La situación es similar con los complementos (o, como también se les llama, complementos). Algunos de ellos están disponibles de forma predeterminada y otros aparecen después de instalar otros programas en su computadora. Por ejemplo, después de instalar Microsoft Office, en la lista de complementos (para verlo, debe ingresar chrome://plugins en la barra de direcciones) puede encontrar el software especial de Microsoft que es necesario para que Office Web Apps funcione. Si va a utilizar este servicio, entonces el complemento, por supuesto, debe estar activado y, si no, puede desactivarlo.

Tendrás tu propia lista de complementos, pero la idea principal es la misma que con las extensiones: debes identificar lo que no usas y no dudes en desactivarlo.

Para casos muy graves, cuando no se trata sólo de una gran cantidad de complementos, sino también de malware (y para Chrome también existen), Goolge ha lanzado utilidad especial, que eliminará de su navegador el software no deseado con unos pocos clics. se llama Eliminación de software Herramienta (puedes descargarla). Inicia la aplicación, espera a que se complete el escaneo (literalmente dura unos segundos) y luego, según el resultado, verá la cantidad de complementos "malos" o la inscripción "Todo está bien". hermano." Pero en cualquier caso, se abrirá el navegador y se le pedirá que restablezca la configuración a su estado original (estamos hablando de motor de búsqueda pestañas predeterminadas y ancladas). Además, se restablecerá la memoria caché y se borrarán las cookies. No hay necesidad de preocuparse de que la herramienta de eliminación de software afecte algunos elementos vitales del navegador. El programa es muy leal, por lo que permanecerá en su lugar.

En general, la idea de borrar periódicamente todos los datos guardados es muy correcta, porque con el tiempo se acumulan tantos archivos guardados que el propio programa comienza a ralentizarse. Es muy fácil de hacer. Simplemente ve a configuración, abre opciones adicionales y seleccione “Borrar historial”. Las contraseñas y los datos de autocompletar se pueden dejar intactos.

Si sigues todos estos pasos ahora, tu vida mejorará y tu serie favorita no se ralentizará incluso cuando la veas en alta calidad. Si conoces algún otro métodos secretos luchar contra la lentitud el trabajo de google Chrome, asegúrate de escribir en los comentarios. Simplemente no sugiera cambiar a Mozilla Firefox.

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